Ex-libris

La source la plus ancienne, qui mentionne en 1605 Le Jardin des délices terrestres de Hieronymus van Aaken, dit Jérôme Bosch (1450 environ-1516), l’évoque sous le titre De la gloire vaine et du goût éphémère de la fraise et de l’arbousier. Le fruit rouge apparaît en effet dans le panneau central mais les historiens de l’art préfèrent le titre plus générique du Jardin des délices terrestres. Dans ce célébrissime triptyque (1503-1504), très apprécié du très catholique Philippe II d’Espagne,  le souverain espagnol lisait « une satire peinte des péchés et des délires des hommes ». Réflexion sur l’humanité, « miroir aux princes » réservé à l’instruction des puissants, « miroir nuptial » montrant aux jeunes mariés la voie à suivre, vision utopique d’un monde non corrompu par le mal, toujours est-il qu’à travers les siècles, on n’a cessé de s’interroger sur le sens et la symbolique complexe de ces trois panneaux : celui de gauche représente la création d’Adam et Eve et le Paradis d'avant la Faute (qui n'est pas représentée) et celui de droite une sorte d’« enfer musical », habité d'instruments et d'objets créés par l'homme ; quant au panneau central, il met en scène le triomphe des délices et des plaisirs de la nudité et de l’amour, dans un monde utopique qui n'aurait pas connu le Péché originel.

C’est ce questionnement passionnant sur le tableau que la troupe circacienne québécoise des 7  Doigts présentait vendredi 16 février 2018 au théâtre Le Dôme à Saumur, dans un spectacle époustouflant de beauté, de poésie et d’inventivité, intitulé Bosch dreams. Détournant l’expression « unis comme les cinq doigts de la main », le nom de la troupe souligne les liens étroits qui unissent les artistes, combinant leurs personnalités et leurs expériences diverses avec « la charmante maladresse d’une inhabituelle main à sept doigts ».

Pourtant de maladresse, on n’en trouve guère dans ce spectacle total qui s’attache à renouveler le cirque tout en explorant le champ de la recherche esthétique et technique. Attachée à promouvoir « une poésie visuelle » et « la magie des formes », pratiquant un art du mélange qui associe les formes hybrides du théâtre, de la danse, de la poésie, de l’acrobatie, visant la pureté du geste et du mouvement, la troupe des sept interprètes (Héloïse Bourgeois, Sunniva Lovlans Byvard, Evelyne Lamontagne, Jorge Petit, Matthias Umaerus, William Underwood, Vladimir Amigo) a trouvé avec le triptyque de Bosch un champ expérimental riches d’infinies possibilités. Héloïse Bourgeois explique ainsi sa manière de concevoir le jeu : « On est vraiment au service d’un concept et non pas le centre du concept. Donc, il faut vraiment mettre son ego de côté et simplement servir le propos artistique. »

Ce dessein artistique original est né en 2016 dans le but  de rendre hommage aux 500 ans de la mort de Jérôme Bosch. Samuel Tétreault, codirecteur des 7 Doigts, et Martin Tulinius, directeur artistique du Theatre Republique du Danemark, ont ainsi imaginé le projet fou d’explorer l’univers « fantastique et métaphysique » du peintre médiéval en le faisant dialoguer avec Salvador Dali et Jim Morrison, tous deux fortement marqués par l’influence du peintre. Le premier avait toujours admiré au Prado Le Jardin des délices et sa toile surréaliste Le Grand Masturbateur (1929) est directement inspirée par les formes du rocher anthropomorphe du panneau de gauche. Une scène le montre ainsi dans une salle du grand musée espagnol déambulant devant le triptyque et accompagné par un gardien qui a l’apparence d’un singe. Quant à Morrison, l’influence de La Nef des fous (1490-1500) se retrouve dans les chansons de rock psychédélique des Doors, avec leur album Ship of the Fools. Le chanteur a d’ailleurs soutenu la thèse d’un Bosch adepte d’une secte libertaire. Passionné du peintre flamand, le frontman des Doors, a même écrit en 1963 un curieux mémoire visant à prouver que le peintre avait fait partie des adamites, mouvement d’hommes libérés qui pratiquaient l'amour libre, rejetaient le mariage ou le labeur et vivaient nus.

C’est le vidéaste Ange Potier qui a été chargé de créer les animations du triptyque de Bosch et il faut dire que le résultat est stupéfiant. En effet outre les mouvements des êtres du bestiaire fabuleux du peintre, la sonorisation avec le chant des oiseaux, on voit Dali et Morrison évoluer au milieu du Jardin des délices. Je retiens le superbe moment où Dali, assis sur un œuf, à gauche de la toile, admire une acrobate blonde qui se meut avec grâce et puissance dans un globe transparent. On le voit encore naviguer sur une moule noire, celle qui abrite les ébats amoureux d’un couple dénudé. On découvre aussi le chanteur des Doors, parvenu au sommet d’une des architectures élancées du panneau central, sautant dans le rond d’une clé, laquelle se transforme en cerceau qui va permettre ensuite de réelles acrobaties. On admire ainsi ces passages subtils entre les vidéos du triptyque et les évolutions sur la scène. On retiendra encore la monumentale roue de fortune présentant les tableaux de Bosch qui tourne à toute vitesse pour s'arrêter sur une toile et en donner la représentation sur scène.

Ces allers et retours constants entre le monde réel et le monde virtuel sont une des grandes réussites du spectacle. Sept artistes interprètent ainsi vingt-quatre personnages, monstrueux ou non, masqués ou non, tel l’escamoteur du tableau du même nom ou encore le charlatan dans L’Extraction de la pierre de folie. A l’avant-scène, dans une semi-obscurité, on verra se mouvoir un être monstrueux, mi-crapaud, mi-homme, qui rampera lentement du côté scène au côté jardin. Deux êtres hybrides bossus et casqués, présents tout au long du spectacle, et arborant un appendice nasal en forme de mince trompette, iront jusqu’à investir la salle et à souffler de la fumée sous le nez des spectateurs. J’ai aimé aussi le mouvement du Chariot de foin, qui perd une roue, laquelle donne l’occasion à un artiste de proposer un magnifique numéro de cerceau. Ce passage du tableau à la scène trouve sans doute son point d’orgue dans la scène « Feu et destruction ». Sur fond d’incendie apocalyptique présent dans le panneau de droite du triptyque, « L’Enfer », au milieu d’un assourdissant bruit de tonnerre, d’explosions, au sein des brasiers jaillissants, au milieu de moulins tournoyants, les acrobates montent aux mâts, sautent, roulent, tombent, exprimant de tout leur corps l’horreur et la sauvagerie de la guerre.

La trame narrative de ce spectacle hors norme est conduite par la petite fille blonde du professeur (celui qui prend la parole de temps à autre à l’avant-scène pour s’interroger sur le sens du triptyque). Tel Le Marchand ambulant, Le Voyageur ou l'homo viator, cheminant sur le chemin de la vie, elle guide le spectateur à travers l'oeuvre de Bosch. On suit donc le parcours imaginaire de cette jeune dormeuse en jupe rouge, en quête d’une balle de la même couleur, peut-être la fraise du panneau central du triptyque, que des personnages nus sont en train de manger… Ainsi, on la verra dans l’atelier du peintre, s’emparer d’une fraise que Bosch finira par lui accorder et qu’elle placera sous son oreiller. Sortie d’une coquille d’œuf à jardin, cette petite Alice au pays des délices invite le spectateur à pénétrer dans le monde mystérieux et inquiétant du peintre. La comédienne explique ainsi son rôle : « On m’a demandé d’être légère, souriante, une bouffée d’air frais » dans cet univers fantasmagorique. A la fin du spectacle, sous le regard de Dali et de Jim Morrison, elle se révèle trapéziste émérite dans un Jardin des délices, parsemé de sphères, de ce bleu et de ce rose si particuliers dans le tableau. A la fin, la fine silhouette aux longs cheveux deviendra partie prenante du triptyque pour s’y fondre totalement.

Je n’aurais garde d’oublier la remarquable et éclectique bande-son qui, des Doors à Dave Brubeck en passant par le générique de Radioscopie, accompagne et soutient de bout en bout cet extraordinaire spectacle. Héloïse Bourgeois reconnaît le plaisir très particulier qu’elle éprouve à réaliser le numéro de cerceau aérien sur la musique inspirante des Doors avec un partenaire qui interprète Jim Morrison, cet artiste mythique, lui aussi à la limite de la folie.

Cette féérie onirique, acrobatique et visuelle, est marquée au sceau de la poésie. Révélant « un cirque d’auteur plus familier et plus intime », elle est une expérience unique qui touche à l’humain. Samuel Tétreault a d’ailleurs dédié Bosch dreams à la mémoire de Martin Tulinius (1967-2016), Il l’explique en ces termes : « Son enthousiasme et sa passion créative ont été essentiels à la naissance de ce rêve artistique. A l’instar de Bosch, Martin était conscient du caractère éphémère de la vie et de l’importance capitale des choix qui nous guident pour le temps qui nous est imparti […] » La fraise, au coeur du tableau et du spectacle,  n’est-elle pas ce fruit éphémère et fragile qui ne se conserve pas longtemps ?

Un spécialiste de l'art flamand et hollandais, Reindert L. Falkenburg, défend l'idée que Le Jardin des délices terrestres a été conçu comme "sujet de discussion" pour le public de la cour de Bourgogne. Miroir à multiples facettes, il invite à la réflexion en jouant avec les traditions picturales et les conventions de l'époque. Et il me semble que la forme novatrice et spectaculaire de Bosch dreams possède magistralement la même fonction.

Lien vers mon poème écrit sur un détail du Jardin des délices :

//ex-libris.over-blog.com/article-preadamites-72582054.html

Sources : 

Les plus grands musées du monde, Musée du Prado, Madrid, Edition Groupe Express Expansion, 2017, pp. 44-50.

Le programme du Dôme, Bosch dreams.

Les 7 Doigts, Dossier pédagogique.

A écouter :

France Culture : Dans l'atelier de Jérôme Bosch (2/ 5) : Le Jardin des délices.

Crédit Photos : Tetsu Maeda, Montoleone, Ida Brenzoni

Vendredi soir, 12 janvier 2018, sur le parquet de la scène du Dôme à Saumur, l’atmosphère était « caliente ». Les dix danseurs de la Tango Metropolis Dance Company, accompagnés par le Quintet Daniel Binelli, rendaient un hommage énergique et sensuel à Astor Piazzolla (1921-1992), le Villa-Lobos argentin, avec le spectacle Buenos Aires Tango Suite. Ce compositeur, précurseur et principal représentant du tango d’avant-garde, a marqué de son empreinte cette « musique populaire et contemporaine de la ville de Buenos Aires ». Les danseurs de la compagnie argentine se sont faits admirablement les interprètes de ce musicien exigeant et passionné.

Le spectacle a débuté par un superbe duo (Soledad Rivero et Lucas Páez), éclairé par la poursuite, sur une musique de Juan de Dios Filiberto, qui nous a immédiatement plongés dans l’âme argentine. Puis, le rideau de fond de scène s’est ouvert sur l’orchestre typique du tango argentin : l’extraordinaire Daniel Binelli (digne héritier d’Astor Piazzolla avec qui il collabora pendant quatorze années) au bandonéon, instrument-phare du tango ; Polly Ferman au piano, Martin Keledjian à la contrebasse, Humberto Ridolfi au violon et le guitariste César Angeleri. Le spectacle alternera ainsi les moments musicaux (Piazzolla, Daniel Binelli) avec les séquences dansées (sur des musiques d’Augustin Bardi, India Pavile, Daniel Binelli, Piazzolla, Julio de Caro, Pedro Laurens, Eduardo Rovira, Sebastian Piana) apportant ainsi des pauses bienvenues et permettant des soli d'instrument aux musiciens. L’occasion de créer cette couleur mélancolique et noctambule si particulière au tango, cette danse « à l’esprit baroque, [qui] s’offre des détours délicieux, malicieux ».

Les chorégraphies variées et inventives nous ont permis d’admirer la technique impeccable de ces danseurs (Michaela Böttinger/Cristian Mino, Soledad Rivero/Lucas Paez, Jorgelina Guzzi/Dario Farias, Sabrina Nogueira/Eber Burger), tout en puissance et en fluidité, menés par Claudio Hoffmann et Pilar Alvarez. Les cinq danseuses brunes (vêtues des superbes robes noires ou rouges imaginées par Maria Sanz), parmi lesquelles se détachait une danseuse blonde et élancée au port de tête aérien, nous ont montré toutes les facettes de cette danse. Guidées par le mouvement du buste et le poids du corps de leur partenaire masculin, nous les avons vu le suivre, se refuser, se rebeller, s’abandonner, tout en conservant cette tenue et cette fierté, si particulières au tango argentin, cette « marche, à deux et dans la musique ». Entre colère et désir, entre acceptation et rejet, mêlant des sentiments vibrants et ambivalents, le tango apparaît bien comme une sensuelle valse-hésitation. Dans une autre belle séquence à trois danseurs, la danseuse nous a donné à voir le cabeceo, cette manière discrète d’inviter un partenaire à danser alors qu’elle-même lui a lancé la mirada.

Chez les hommes, vêtus de sobres costumes gris à gilet sur une chemise blanche, nous avons aussi admiré cette manière de guider leur partenaire vers une direction qui semble à chaque fois impromptue. Cet art de créer des formes sculptées qui durent aussi longtemps que dure une danse, à l’origine fondée sur l’improvisation. Cet air de défi, sans doute hérité de l’Espagne, qui confère au tango une allure de lutte où l’homme et la femme s’affrontent dans une sexualité exacerbée. Et quand la danse est achevée, les danseurs ne continuent-ils pas de se poursuivre en se toisant avec orgueil ?

On signalera aussi ces beaux passages où les hommes dansent deux par deux ou ensemble. Moments surprenants certes, mais pas tant que cela quand on sait qu’avant d’entrer dans les bals de Buenos Aires, les hommes s’entraînaient entre eux pour s'assurer de bien danser avec leur cavalière.

Chez ces danseurs aguerris, quelle assurance dans les ruptures de rythme, les étreintes farouches (abrazo), les petits pas très rapides (seguidillas), les mouvements circulaires (bicicleta), les inclinaisons passionnées, les positions symétriques en miroir (espejo), les portés époustouflants, ou encore les castigadas quand le danseur pousse la jambe de sa cavalière vers le haut ou accroche le pied ou la jambe de celle-ci. Dans ces mouvements puissants et d’une précision extrême, où les corps s’étirent, se happent, basculent, s’inclinent, s’apparient, s'assemblent et se désassemblent, la troupe fait merveille, tout en nous entraînant dans ce monde de la nuit,  où naquit cette danse devenue mythique.

En regardant ce beau spectacle, j’avais envie de fredonner la chanson de Léo Ferré, « Le temps du tango » :

Alors c'était plus Valentin'
C'était plus Loulou, ni Margot
Dont je serrais... la taille fine...
C'était la rein' de l'Argentin'
Et moi j'étais son hidalgo
Œil de velours et main câline...
Ah c' que j'aimais danser l' tango !...

Merci donc à ces fabuleux danseurs, sublimés par les éclairages d'Albert Pastor et les couleurs changeantes du fond de scène, à ces musiciens inspirés qui, le temps d’une soirée, nous ont entraînés loin dans une « lente promenade argentine », et nous ont donné l’envie d’apprendre le tango, cette « pensée triste qui se danse ».

Sources :

Programme du Dôme

http://www.marseilletango.fr/Vocabulaire%20Tango%20Argentin%202.htm

Pierre Arditi et Daniel Russo dans L'être ou pas (Crédit photos D. R)

Jeudi 14 décembre 2017, au Dôme, à Saumur, on s’interrogeait sur la question juive. Non pas gravement ni pédagogiquement mais sur le ton de l’humour et de la comédie. Daniel Russo et Pierre Arditi y interprétaient avec brio et volubilité les deux personnages de la courte pièce de Jean-Claude Grumberg, L’être ou pas, mise en scène par Charles Tordjman. Celle-ci était parue en 2013 sous le titre En finir avec la question juive. En raison des violents événements de janvier 2015, elle avait été rebaptisée d’une manière plus elliptique. Jean-Claude Grumberg s’en explique ainsi : « La direction du théâtre a eu peur que les gens prennent ça au premier degré. J’ai tenu jusqu’au début janvier, et puis les événements ont fait que j’ai capitulé. Je ne sais toujours pas ce qui m’a poussé à l’écrire. Les gens à qui je la faisais lire me disaient qu’ils se sentaient comme allégés. Je recherchais sans doute moi-même, inconsciemment, à m’ôter un poids. Celui de l’antisémitisme et de la « question juive », deux sujets posés sur ma table depuis ma naissance. » On sait en effet que toute son œuvre est irriguée par la disparition dans l’horreur de la Shoah de son père et de ses grands-parents raflés devant lui en 1942.

Pierre Arditi explique qu’ « avec cette pièce, Grumberg enterre ses morts comme il en a envie, c’est-à-dire en riant ». Déjà, dans Maman revient pauvre orphelin, pièce que nous avions montée au lycée avec mes élèves, il nous proposait d'entendre son appel pour que le théâtre soit le lieu où les morts et les vivants aient une chance de se rencontrer.

En neuf impromptus pleins de verve et d’ironie tragique, le dramaturge pose donc ici la question de l’identité juive. Dans un escalier en colimaçon tout en blancheur, l’auteur de L’Atelier (sa pièce la plus connue) met en scène deux voisins – celui du dessous (Daniel Russo) – et celui du dessus – (Pierre Arditi) qui se rencontrent et discutent de ce sujet complexe. Le premier, une sorte de Candide au franc parler, dont la femme (originaire de Quimper !) a appris sur Internet que le second (dont la femme est de Bordeaux !) est juif, lui pose à brûle-pourpoint la question suivante : « Je suis votre voisin. Vous me remettez ? Vous avez une seconde ? Vous êtes juif ? C’est quoi au juste ? » Son interlocuteur, un « juif athée », va s’efforcer tout au long de la pièce de démonter ses préjugés et ses idées toutes faites, jusqu'au coup de théâtre final.

Pierre Arditi a expliqué que « l’avantage de cette pièce, c’est qu’elle éclaire le tunnel ». Le tunnel de la question juive, avec son cortège d’a priori et de poncifs. Jean-Claude Grumberg l’a bien précisé : « Afin d’être aussi complet que possible, je signale à ceux que la question continuerait à tarauder qu’un prof émérite d’Harvard a répertorié à ce jour 8612  façons de se dire juif. Ne se reconnaissant dans aucune, il a déclaré à la presse qu’il poursuivait ses recherches. Je m’associe modestement mais de tout cœur à ses recherches. » Et le dramaturge juif qu’il est (« Ecrivain juif et français ou français et juif ») le fait à sa manière avec une comédie et non un plaidoyer politique ou un pensum, au ton caustique mais jamais méchant. Pierre Arditi l’affirme ; selon lui on peut parler des juifs et rire. Certes, « cela dépend de l’interlocuteur et à partir du moment où le rire est animé de bonnes intentions ». Et Daniel Russo de renchérir : « La pièce nous ramène au cinéma italien de la grande époque où l’on parlait d’une société terrifiante et où l’on faisait rire avec ça. » Et Grumberg de se réjouir « d’avoir réussi à faire rire avec un tel sujet ».

Pierre Arditi le comédien apparaît ici comme le porte-parole de l’auteur et il y a tout à parier que lui-même se reconnaît dans les paroles du personnage, en lutte contre le confusionnisme et le sectarisme ambiants. A son interlocuteur qui lui reproche d’être un mauvais juif parce qu’il ne mange pas de porc, il rétorque : - « Ecoutez, je suis juif, juif, je suis né juif, je mourrai juif, je n’ai aucun effort à fournir pour le devenir ou le rester, vous comprenez ? » - « Oui, mais ma femme… » - « Je suis juif comme je veux l’être et non pas comme votre femme veut que je le sois ou son rabbin. Juif des pieds à la tête, heureux et fier de l’être ! » L'homme Pierre Arditi exprime les mêmes convictions à sa manière : « Je ne pourrais pas mieux dire que Grumberg, je dirais exactement la même chose. Je suis un juif athée, totalement et fermement athée et en même temps je suis juif mais je ne pratique pas. Je mange de tout, j’aime la cochonnaille, la charcutaille. Le shabbat, je ne sais pas ce que c’est et je n’ai rien contre ceux qui respectent et qui pratiquent. C’est ce que ça dit : on est juif comme on veut ! » Une identité revendiquée et affirmée, mais dans la plus complète liberté !

Crédit Photos, Culture Box

On croyait en avoir fini avec l’antisémitisme et voilà que de nouveau les juifs doivent se justifier et donner des gages. Grumberg s’en étonne : « Ma génération croyait que l’athéisme allait vaincre, on ne pouvait pas imaginer ce retour de l’obsession religieuse. » La pièce porte non pas sur les questions que les juifs se posent mais sur celles que les autres se posent sur eux. Dans Le Journal du Dimanche, Pierre Arditi le précise : « Le racisme antijuif remonte à la surface depuis un bon moment. Que doit-on faire ? Expliquer, je crois, comme avec cette farce philosophique qui a la bonne idée de ne pas aborder les questions que se posent les juifs, mais celles que se posent ceux qui ne le sont pas. » Et de poursuivre : « Grumberg a cette grande vertu de distiller une forme de légèreté, pour parler de choses qui pèsent sur nos nuques depuis des décennies pour ne pas dire des millénaires. Mieux vaut sourire de l’abomination plutôt que d’être abominé justement. » Le rire comme un remède au désespoir.

Dans cette courte pièce brillante et drôle, on évoque sans distinction le rapport des juifs à l’argent, la création de l’Etat juif, la question palestinienne. On y discute sans ambages de sexe, de circoncision et de nourriture casher. On y revisite avec l'humour des histoires juives l’Ancien Testament et l’épisode des Dix commandements, lorsque Dieu plia le ciel pour les déposer sur le Mont Sinaï ! On y redécouvre l’histoire d’Agar et de Sara, mères d’Ismaël et d'Isaac… tout en évoquant de manière plus prosaïque la non-conformité des boîtes à lettres de l’escalier.

Les dialogues incisifs et drôles font mouche. Ainsi quand Arditi définit ce qu’est un juif : « Est juif qui ne nie pas qu’il l’est quand il l’est. » Ou quand Daniel Russo s’étonne de ce que lui dit son interlocuteur : - « Je ne comprends pas un mot de ce que vous racontez. » - « Je parle français pourtant. » - « Pour moi, c’est du grec. » - « Tant que ce n’est pas de l’hébreu ! » Les réparties fusent : « Avant [de régler la question juive] », explique le voisin du dessus, « je veux d’abord vaincre le chômage en France, régler les problèmes sociaux et économiques en Europe, tout en liquidant la dette et la pollution. Après, promis, dans la foulée, je m’occupe du Moyen Orient, pas seulement d’Israël et de Palestiniens, mais de la Syrie, du Liban, et après, s’il me reste un peu de temps, je m’attaque à l’Afrique ! » Ou bien quand la femme du voisin du dessous assène : « Un mauvais juif est pire qu’un anti-juif ! » Ou encore lorsque lui-même réclame la restitution des territoires palestiniens et que l’autre répond : « Les rendre, ok ! Mais à qui ? »

Dans cet affrontement verbal comico-philosophique, les deux comédiens rivalisent de bons mots sans que jamais l’un ne l’emporte sur l’autre. On voit qu’ils jouent la pièce depuis longtemps ensemble et l’osmose entre eux est complète. Dans ce rôle de l’intello-bobo, on retrouve ici le Pierre Arditi que l’on connaît par cœur avec sa diction si particulière, ses ruptures de rythme, ses tics de comédien et son incroyable aisance sur scène. Manifestant pourtant peut-être une certaine fatigue au milieu de la pièce, avec un trou de mémoire, surprenant de sa part, mais qu’on pardonnera à l’immense comédien qu’il est. Quant à Daniel Russo, « remarquable d’expressivité », il incarne avec un naturel confondant le beauf du rez-de-chaussée, dont l’évolution en étonnera plus d’un à la fin de la pièce.

Ainsi que le dit Arditi lui-même, « en ces temps difficiles où le second degré peut être si mal interprété, si mal toléré, il s’agit peut-être de résistance. Une résistance culturelle face à l’ignorance et à la bêtise. » Selon lui, dans un monde où l’on est en train de mourir parce que les gens ne se parlent plus, la pièce propose un discours de paix et de tolérance. « Quand on connaît l’autre, on l’approche, on parle avec lui, on tente de le comprendre, la route s’éclaire et on peut se tolérer, s’aimer et vivre ensemble. » Des paroles à méditer pour éviter le retour à l'obscurantisme !

Crédit Photos V. B

Sources :

« L’être ou pas, un théâtre de salubrité publique à Paris », Didier Méreuze, La Croix

Théâtre du blog, L’être ou pas

« Jean-Claude Grumberg, Son coup de théâtre à l’antisémitisme », Alain Spira, Paris-Match

Interview de Pierre Arditi sur France 3 Week-end, 22/02/2015 et sur Entrée libre

Jeudi 23 novembre 2017, à l’issue de la représentation d’Edmond, d’Alexis Michalik, au Dôme, on aurait pu se croire le 27 décembre 1897, au théâtre de la Porte Saint-Martin, à la triomphale première de Cyrano de Bergerac, qui connut plus de quarante rappels. La salle saumuroise à l’italienne était debout pour applaudir à tout rompre cette pièce qui raconte avec fantaisie et brio la genèse du chef d’œuvre d’Edmond Rostand. Créée en 2016 au Théâtre du Palais-Royal, Edmond, qui connaît un grand succès couronné par cinq Molières en 2017, est actuellement en tournée, car la distribution en est double.

C’est donc une mise en abyme réussie pour Alexis Michalik, ce jeune dramaturge de 35 ans qui n’aime rien tant que prendre un classique et le revisiter. « Ca parle d’un mec qui est en train d’écrire Cyrano de Bergerac », explique-t-il, tout en reconnaissant que « tout le challenge était de mettre Cyrano dans Edmond. Comment intégrer l’esprit et l’émotion qu’on ressent en voyant Cyrano dans sa propre écriture ? » Pour ce faire, l’auteur et metteur en scène s’est beaucoup documenté. Il s’est plongé dans toutes les biographies de Rostand, dont celle de son épouse, la poétesse Rosemonde Gérard, recherchant des informations sur le théâtre de l’époque, les pièces qui se jouaient, les usages, les traditions, la durée des spectacles, les cachets des comédiens, tous éléments qui ont nourri son imagination. Il précise cependant  que « son but n’a pas été de faire une biographie d’Edmond Rostand, tout comme le but de Rostand n’était pas d’écrire une biographie de Cyrano de Bergerac ». Depuis 2013, de ce sujet il avait d’abord pensé faire un film qu’il a cherché à monter sans succès. C’est après avoir vu l’adaptation théâtrale du film Shakespeare in love (dont le sujet est aussi un auteur en panne d’inspiration), qu’il s’est dit qu’Edmond  avait sa juste place sur une scène de théâtre.

Le metteur en scène a particulièrement bien restitué l’atmosphère de cette époque « fin de siècle », juste avant que ne commence l’ère du cinématographe. On y évoque l’affaire Dreyfus, Georges Feydeau (Nicolas Lumbreras) et Courteline (Régis Vallée) s’y gaussent des insuccès d’Edmond Rostand (Guillaume Sentou), on y entend le Boléro (un brin anachronique !) de Ravel (Nicolas Lumbreras), on découvre les premières images de Méliès (Nicolas Lumbreras) et Antoine Lumière (Christian Mulot), on devise avec un Tchékhov anémique dans la maison close « Aux belles poules », on y voit Jules Clarétie (Christian Mulot), administrateur de la Comédie-Française, renvoyer le grand comédien Constant Coquelin de la Maison de Molière… Tout le petit monde interlope familier des théâtres s’y agite : le régisseur, le costumier (Pierre Bénézit), le vieux critique (Christian Mulot), la vieille actrice (Valérie Vogt), les deux producteurs corses Marcel et Ange Floury (Pierre Bénézit et Christian Mulot) qui se disputent la paternité du fils de la comédienne Maria Legault l’interprète de Roxane (Christine Bonnard), son habilleuse Jeanne (Stéphanie Caillol) qui est aussi la muse d’Edmond Rostand.

Les douze comédiens se partageant une trentaine de rôles, chacun campe avec énergie la silhouette de son personnage : les deux producteurs, dans un numéro de vieux mafieux corses, exigent des conditions drastiques pour la pièce, renâclant sur les décors et les costumes et imposant leur ancienne maîtresse Maria Legault. Ils iront jusqu’à oser un numéro de polyphonie corse !  Le régisseur à casquette ne se résout pas à appeler Coquelin par son prénom alors qu’il le connaît depuis longtemps ; dans les cafés, on sent monter un racisme et un antisémitisme battus en brèche par la faconde d'un patron noir, Monsieur Honoré (Jean-Michel Martial). Quant à l’épouse d’Edmond Rostand, Rosemonde Gérard (Anna Mihalcea), on la voit se débattre entre soucis d’argent et crises de jalousie. Les scènes de rue à la lueur d’un réverbère ont un charme suranné, avec le vendeur de bijoux, l’homme-sandwich, tous les personnages du petit peuple de Paris. Edmond ne va-t-il pas aussi jusqu’à prendre un train brinquebalant jusqu’à Issoudun afin de récupérer son comédien Léonidas Volny (Kevin Garnichat) l’interprète de Christian de Neuvillette, parti retrouver son amoureuse dans un hôtel de province ?

Alexis Michalik situe l’intrigue de la pièce au moment où Edmond Rostand, vaguement dépressif, a vingt-neuf ans et doute de sa vocation d’écrivain. Il vient de connaître un demi-succès avec La Princesse lointaine, interprétée par Sarah Bernhardt (Valérie Vogt) et son inspiration est en panne. Encouragé par Coquelin l’aîné, adulé du public, et par la célèbre tragédienne, il se lance dans l’écriture d’une nouvelle pièce qui, au départ ne doit comporter que trois actes et finira par en compter cinq. La genèse dura d’avril 1896 à janvier 1897, au grand dam de Rosemonde Gérard, toujours inquiète pour les finances du foyer mais affichant une foi aveugle en son écrivain d’époux. La mise en scène, tout en vivacité, joue beaucoup sur les allées et venues de Rostand entre sa table de travail et le lit conjugal.

Edmond est ici interprété par Guillaume Sentou, un comédien plein d’énergie qui arbore une fine moustache à la Dali. Alexis Michalik lui avait dit : « J’ai besoin d’un petit nerveux qui parle vite ! » Molière de la révélation masculine 2017, il donne à voir un Rostand, rongé par le doute, souvent dépassé par les événements mais bien décidé à venir à bout de la tâche qu’il s’est imposée. Et d’implorer le pardon de son ami Coquelin pour lui avoir donné « une pièce aussi inepte, aussi mal écrite », ce à quoi Coquelin rétorque : « Vous êtes fou mon jeune ami. C’est un chef d’œuvre que vous m’avez confié ! »

C’est toute l’habileté de Michalik d’intercaler dans la pièce des scènes où l’on découvre comment naît l’inspiration du poète et des scènes de la comédie héroïque de Rostand. Ce faisant le jeune auteur demeure sans doute fidèle à la réalité puisque Max Favalelli raconte dans Le Roman vrai de la IIIe République, Prélude à la Belle Epoque, que c’est aux eaux de Luchon, lors d’une rencontre avec un jeune homme mélancolique (qui aimait une jeune fille et ne savait lui parler) que le dramaturge se dit : « On pourrait en faire une comédie ». De la même manière, la scène du balcon sera inspirée à Edmond par la demande de Léonidas Volny, amoureux de Jeanne la jeune habilleuse, dont l’amour fait de lui un amoureux transi et muet. Et le dialogue des nez naîtra à la faveur d’une rencontre avec Monsieur Honoré, qui a été traité de nègre !

La mise en scène fourmille d’inventivité et de fantaisie, et l’action réglée au cordeau se déroule sans aucun temps mort. Les portes claquent, les changements se font à vue grâce à la célérité des comédiens et il se passe tout le temps quelque chose à quelque endroit du plateau. A la fin de la pièce, j’ai particulièrement apprécié l’utilisation de la scène divisée en deux pour représenter et la scène du Théâtre de la Porte Saint-Martin et ses coulisses et en même temps la scène du théâtre de la Renaissance où Sarah Bernhardt, l’admiratrice éperdue de Rostand, joue « au galop de chasse » Les Mauvais Bergers de Mirbeau afin d’être présente au cinquième acte de Cyrano !

Il y a encore de jolies inventions comme cette idée de faire remplacer au pied levé Maria Legault, menacée d’aphonie et tombée dans une trappe ( !), par Jeanne l’habilleuse, groupie de Rostand, qui connaît le rôle par cœur. Une belle manière d’exprimer l’amour du théâtre ! Et de choisir plus tardivement d’inventer le rôle du pâtissier Ragueneau et de le confier à Jean Coquelin fils (Régis Vallée). N’est-il pas très mauvais dans l’emploi du comte de Guiche parce que « c’est un méchant » ?

Et puis, de temps à autre, une phrase résonne particulièrement aux oreilles du public. Ainsi quand un personnage s’étonne que le producteur veuille absolument faire jouer sa maîtresse ou quand Jeanne rétorque à Léonidas Volny, son « Léo superbe et généreux » que le désir de la femme existe et qu’il faut savoir l’écouter !

L’émotion est bien palpable encore lors de la mort de Cyrano, superbement interprétée par Pierre Forest. Après Daniel Sorano, Michel Vuillermoz ou Depardieu, il n’est pas facile d’exister dans le rôle de cet archétype du héros romantique, grotesque et sublime à la fois, et le comédien ne démérite point. Dans le célèbre costume du personnage, il nous propose un Cyrano haut en couleurs, à « la voix d’airain », à la rondeur bonhomme mais à la mélancolie secrète, fidèle me semble-t-il au Coquelin réel. On sait que ce rôle assura à ce dernier la gloire et que Rostand lui dédia sa pièce, en écrivant : « C'est à l'âme de Cyrano que je voulais dédier ce poème. Mais puisqu'elle a passé en vous, Coquelin, c'est à vous que je le dédie. »

Enfin, quel plaisir d’entendre le texte de la pièce de Rostand : ses morceaux de bravoure (« Ce sont les cadets de Gascogne/ De Carbon de Castel-Jaloux ; Bretteurs et menteurs sans vergogne,/ Ce sont les cadets de Gascogne !... »), ses tirades brillantes («  Et que faudrait-il faire ?/ Chercher un protecteur puissant, prendre un patron,/ Et comme une lierre obscur qui circonvient un tronc/ Et s’en fait un tuteur en lui léchant l’écorce,/ Grimper par ruse au lieu de s’élever par force ?/ Non merci !... ») ; ses dialogues subtils entre Cyrano et Roxane (CYRANO – Que l’instant entre tous les instants soit béni/ Où, cessant d’oublier qu’humblement je respire/ Vous venez jusqu’ici pour me dire… me dire ? ROXANE – Mais tout d’abord merci, car ce drôle, ce fat/ Qu’au brave jeu d’épée, hier, vous avez fait mat,/ C’est lui qu’un grand seigneur… épris de moi… CYRANO – De Guiche ? ROXANE – Cherchait à m’imposer… comme mari… CYRANO – Postiche ?... » Et je me suis souvenu avec émotion de mon grand-père qui connaissait par coeur cette pièce !

Avec cette comédie au rythme enlevé, dans laquelle les comédiens expriment avec une belle énergie l’esprit de troupe qui les anime, c’est un théâtre populaire et intelligent qui nous est proposé par Alexis Michalik. Celui-ci parle d’ailleurs d’un « théâtre de l’humilité » dans lequel « tous les acteurs ont une partition d’égale importance ».  Et j’aimerais achever ce billet avec le terme de « panache » qui clôt la pièce dans la dernière réplique du héros. Ce mot qu’Edmond Rostand a défini lui-même dans son discours de réception à l’Académie française, expliquant entre autres que  « c’est quelque chose de voltigeant, d’excessif – et d’un peu frisé […] », adjectifs qui me semblent particulièrement adaptés à l’atmosphère d’Edmond. 

Vidéo : Constant Coquelin dans Cyrano de Bergerac en 1900 :

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Crédit Photos : Alejandro Guerrero

Sources :

Edmond Rostand, Cyrano de Bergerac, Texte intégral et Les clés de l'oeuvre, Classiques Pocket, 6007

http://www.lefigaro.fr/culture/2017/01/02/03004-20170102ARTFIG00111-alexis-michalik-a-la-fin-de-l-envoi-il-touche.php

https://www.sortiraparis.com/scenes/theatre/articles/124899-alexis-michalik-interview-d-un-conteur-d-histoire

http://ex-libris.over-blog.com/article-le-defi-de-la-semaine-n-76-pauvre-cyrano-100998517.html

Vendredi 10 novembre 2017, les Saumurois inauguraient  au Dôme le Centre de Rencontres de la Poésie Contemporaine. Une soirée non-stop de 17h 30 à 23h pour célébrer la poésie dans tous ses états. C’est Silvio Pacitto, directeur artistique du théâtre, convaincu avec Jean-Pierre Siméon que « la poésie sauvera le monde », qui a souhaité créer ce lieu ouvert à toutes les formes poétiques. Une profession de foi affirmée avec force lors de sa lecture d’un puissant poème de Thomas Vinau et d’une phrase de René Char, soulignant ce « plus » indicible ajouté par la parole poétique.

Photo ex-libris.over-blog.com, le 10/11/2017

La soirée a débuté avec une lecture-performance électroacoustique d’Armand le Poête, auteur d’une quinzaine de recueils, au sein même de l’exposition qui présente ses œuvres. Sur les hauts murs blancs de la Galerie Loire, se succèdent les 36 « Poêmétals » en acier, aux couleurs vives, réalisés avec Guypierre, les très fins « Poêmench’veux, brodés en cheveux par Alic Calm, les « Vidéopoêms » en collaboration avec Laurent Vichard. Ceux-ci s’écrivent sous l’œil de la caméra avec bruitages, montages et objets divers. Avec Armand le Poête, pour qui amour rime avec toujours, foin de l’orthographe : les mots s’amusent, se bousculent, ne craignant ni ratures ni maladresse, dans une liberté foisonnante et ludique. On notera qu’Armande le Poête est timide et qu’il délègue la lecture de ses poèmes en public à son « colocataire », Patrick Dubost.

Photo ex-libris.over-blog.com, le 10/11/2017

Après cette lecture fantaisiste et inventive, les spectateurs ont investi le foyer du Dôme, aux éclatantes couleurs or, bleu et rouge, pour un cocktail amical. Puis ils se sont dirigés vers la salle de conférences afin d’écouter les voix de deux poètes saumurois, Yves Leclair et Albane Gellé. Le groupe de poésie auquel j’appartiens, les Poédiseurs, a proposé une lecture de poèmes d’Yves Leclair, qui fut professeur de Lettres dans le même lycée que moi. Ecrivain saumurois nourri d’humanité(s), fin critique littéraire, grand connaisseur des poètes T’ang, Yves Leclair a reçu le prix Alain Bosquet 2014 pour le cinquième tome de son journal poétique Cours s’il pleut et l’ensemble de son œuvre. Nous avions choisi des extraits de ses textes en fonction des goûts de chacun des neuf diseurs, admiratifs que nous sommes devant cette poésie d’un quotidien banal sublimé par son regard de poète. A la fin de notre lecture nous l’avons remercié de nous avoir permis de tamiser avec lui « l’or du commun », à l’image de ce bref poème, intitulé « A la corde » :

« Eté qui sent la corde

quand tout au fond des fermes on tire les volets

et devise à voix muette à remailler le vrai

cotylédon de la pénombre on se raccorde

au rien

qui vibre en orbe au fond des mondes »

(En contemplant des semelles de corde tressées)

23 juillet 1988

Yves Leclair, Photo ex-libris.over-blog.com, le 7/10/2014

Ensuite, c’était autour de la poétesse Albane Gellé de dire certains de ses textes. Derrière une apparente fragilité, avec une voix douce mais ferme, elle nous a fait entendre les échos d’une écriture résistante et en mouvement, notamment dans le premier texte, « Debout ». Elle nous a distillé des portraits de ses Eblouissants et fait aussi partager son amour des chevaux. Nous avons entendu des extraits d’un texte plus ancien Je, cheval et de son dernier opus bouleversant, Chevaux de guerre :

"Où ? vont nos chevaux, leurs souffles chauds, leurs jambes sûres. Où? partent leurs façons dignes, leurs courbes claires, leur élégance, et cette entière fidélité à ce qu'ils sont. Où ? le bruits de leurs allures, leurs appels, leur fatigue. Où ? l'odeur de leurs encolures, leurs têtes basses, les signaux de leurs oreilles. Où ? leurs poils brillants, leurs flancs nourris, le doux soyeux de leurs poitrails sous des mains caressantes et fines." 

Une écriture en harmonie avec les animaux et les êtres, pour une amoureuse de la nature qui vit à la campagne au milieu des enfants et des poneys.

Albane Gellé, Photo ex-libris.over-blog.com, le 10/11/2017

Après cette double lecture, la soirée poétique s’est poursuivie dans la salle à l’italienne avec le concert Kalamna par la compagnie Eoliharpe. Ce groupe inspiré de jeunes artistes est composé du pianiste Gilles Constant, du contrebassiste François Marsat, avec aux percussions Bachir Rouimi, à la flûte, clarinette et saxo Darian Zavatta. Quatre musiciens qui, avec la danseuse Telma Pereira, accompagnent la chanteuse Claire Bossé. Ils ont magnifiquement interprété les poèmes de la poétesse syrienne Maram Al-Masri, celle dont « les mots enregistrent le fond et le tréfonds/ le scandale et le scandaleux ». Un spectacle prenant et émouvant qui nous a emmenés loin dans ce pays en proie à la violence aveugle de la guerre.

Soutenue et accompagnée par la danse expressive de Telma Pereira, fine silhouette blanche, c’est avec puissance que la chanteuse, altière et sensible, a exprimé le déchirement de la femme syrienne, aussi bien amante que mère, qui aspire de tout son être à l’amour et à la liberté et à laquelle la poétesse s’identifie pleinement. Elle donne la parole à toutes ces femmes  qui « ne savent pas parler », dont « la parole reste dans la gorge/ comme l’épine elles préfèrent l’avaler », celles qui « ne savent que pleurer », dont « les pleurs rebelles soudain jaillissent/ comme une veine rompue », celles qui « reçoivent des gifles ». Un désir violent d'une autre vie qui se manifeste dans la belle image : « Comme un lion en cage les femmes comme moi rêvent de liberté ». Chant magnifique repris sur scène à l’unisson aussi bien par les hommes que les femmes.

La compagnie Eloliharpe

J’ai beaucoup aimé l’équilibre de ce spectacle qui voit le percussionniste venir doubler en arabe le chant en français, la danseuse se faire le reflet des émotions de  la chanteuse ou bien se lover dans les bras du flûtiste, ou encore les six artistes se rejoindre pour une superbe chorégraphie silencieuse. Le concert a connu encore un supplément d’âme quand Claire Bossé, au moment des saluts, a souhaité la bienvenue aux migrants présents dans la salle et accueillis à Saumur. Heureuse de marquer cette arrivée par la grâce de la musique et de la poésie.

Maram Al-Masri

Le programme proposait encore deux événements poétiques : L’apparition, création en lecture et musique par Perrine Le Querrec accompagnée par Ronan Corty à la contrebasse et Makasutras, conférence gesticulée par Nicolas Vargas, poète performeur. Je reconnais avoir renoncé à y assister, préférant demeurer sur la belle impression du concert de Kalamna.

Toujours est-il qu’il faut absolument saluer la réussite de cette soirée d’ouverture de la Maison des Rencontres de la Poésie Contemporaine. Elle a attiré un public attentif et passionné, d’excellent augure pour des rencontres à venir pleines de découvertes, faisant mentir l’idée toute faite que les Français n’aiment pas la poésie.

Mes billets sur Yves Leclair :

http://ex-libris.over-blog.com/article-36881119.html

http://ex-libris.over-blog.com/article-un-orient-intime-causerie-avec-yves-leclair-sur-la-poesie-antique-chinoise-a-la-bibliotheque-medi-124794519.html

http://ex-libris.over-blog.com/article-l-ailleurs-est-dans-l-ici-yves-leclair-s-entretient-avec-alain-veinstein-66094719.html

http://ex-libris.over-blog.com/article-de-virgile-a-dante-un-parcours-vers-la-lumiere-cours-s-il-pleut-de-yves-leclair-124742882.html

Le site d'Albane Gellé :

http://albanegelle.canalblog.com

Le site d'Armand le Poête :

http://armand.le.poete.free.fr

Le site de Eoliharpe :

http://www.eoliharpe.com/créations/