Ex-libris

 Alice dans le miroir, Balthus (1933),

Centre Georges Pompidou, Paris

Dans En Miroir, son Journal sans date, l’écrivain Pierre Jean Jouve évoque à plusieurs reprises son attachement au peintre Balthus (Balthazar Klossowski de Rola (1908-2001), immense artiste, auteur de plus de 350 peintures et un millier de dessins. C’est à ce dernier qu’il acheta en 1934 le célèbre tableau intitulé Alice dans le miroir (1933). Il connaît l’artiste depuis sa rencontre en 1925 avec Rilke et sa compagne, Baladine Klossowska, la mère du peintre (dont il donnera le prénom à l’une de ses héroïnes romanesques). C’est Alice Bellony, épouse de John Rewald, grand admirateur et collectionneur de Balthus, qui servit ici de modèle au peintre âgé de vingt-cinq ans.

Ce tableau représente une jeune fille au regard blanc, le buste et les jambes dénudées, chaussée de ballerines noires, en train de se coiffer, la jambe gauche posée sur une chaise. Toile mystérieuse et troublante, mise en scène à forte connotation sexuelle rejoignant bien pourtant une forme de transcendance. Balthus n’affirmait-il pas : « Je suis un peintre religieux »?

La jeune femme d'Alice dans le miroir est ainsi particulièrement révélatrice de ce hiératisme propre à Balthus. Camus a été sensible à ce pouvoir de fixation magique inhérent à la grande peinture, qui donne l'impression "de contempler à travers une glace des personnages qu'une sorte d'enchantement a pétrifiés, non pas pour toujours mais pendant un cinquième de seconde, après lequel le mouvement reprendra". Balthus a immobilisé son modèle dans un geste quotidien éphémère, la contemplation de soi-même dans le miroir. La saisie de cet instant suspendu recèle pourtant un très grand pouvoir évocatoire, qu'il reproduira à de nombreuses reprises.

Il peindra  en effet d’autres tableaux sur le thème du miroir comme La toilette de Georgette (1948-1949), Jeune fille au miroir (1948), Nu devant la cheminée (1955), Le chat au miroir (1977-1980) et Nu au miroir (1981-1983), qui appartiennent à la série des Nus, le nu étant considéré comme « la plus haute expression graphique », dans la peinture classique. Comme Balthus, Rilke sera envoûté par ce thème inépuisable, "symbole même du symbolisme", selon Jean Leymarie, et lui consacrera "le plus troublant de ses Sonnets à Orphée. "Miroirs, jamais encore l'on n'a dit ce qu'en essence vous êtes.""

L’originalité de ce premier tableau sur le thème tient au fait que le miroir n’est pas représenté. Muriel Pic, spécialiste de Jouve, explique qu'Alice se coiffe devant un miroir que le spectateur ne voit pas, puisqu’il est lui-même le miroir. Alice se fait spectateur et réciproquement. Jouve insiste sur ce jeu de reflet dans lequel la jeune fille apparaît comme une image intérieure et inconsciente du rêve du spectateur, en l’occurrence l’écrivain qui a acquis la toile. Alain Vircondelet écrit qu'avec le dessin, on pénètre ce qui est, comme avec l'écriture. Il poursuit : "Elle [Alice] ne se sait pas observée et nous la regardons s'exhiber, perdue dans l'image que nous ne voyons pas." Dans Proses, Jouve souligne le regard commun que portent le peintre et le poète sur l’homme : le regard intérieur. Ce portrait fut le compagnon de la vie de Jouve qui le conserva en effet très longtemps dans la chambre qu'il partageait avec Blanche Reverchon, la psychanalyste, qui fut sa seconde femme, à l'origine de sa "vita nuova".

Là où, dans les années quarante, de nombreux critiques ne voyait dans l’œuvre de Balthus qu’une peinture traditionnelle, Antonin Artaud- qui ressemblait étrangement au peintre- ne s’y était pas trompé qui y décelait « une peinture de tremblement de terre ». Le calme n’y est bien souvent qu’apparent et c’est une peinture  qui « sent la peste, la tempête et les épidémies ». Il discernait chez lui ces caractères particuliers que sont "le réalisme organique, la science des formes et des lumières, la création de figures-sphinx", dont Alice est un exemple significatif. Et Jean-Pierre Leymarie le rappelle : « Les anges comme le dit Rilke, ils sont terribles… la beauté aussi est terrible. » Alice est un ange terrible.

Ce tableau montre bien le point de rencontre entre le peintre et l’écrivain, car tous deux ont refusé le surréalisme, « exploitation publicitaire de l’inconscient » selon Jouve. Pour lui lui, la découverte de l’inconscient est l’occasion pour l’homme de comprendre qui il est et de maîtriser le désir autrement que par la censure et le refoulement. Pour Balthus, peindre des scènes figuratives mais intimistes, insolites et fortement érotisées, est aussi le moyen de rentrer en soi-même.

Rilke encore a magnifiquement expliqué à quoi tient la magie des tableaux de Balthus :  « Balthus est le peintre des jeunes filles, offertes à tous les désirs mais dans un monde clos qui les renvoie à leur propre solitude. » Et l'artiste d’expliquer cette prédilection picturale : « Je vois les adolescentes comme un symbole. Je ne pourrai jamais peindre une femme. La beauté de l’adolescente est plus intéressante. L’adolescente incarne l’avenir, l’être avant qu’il ne se transforme en beauté parfaite. Une femme a déjà trouvé sa place dans le monde, une adolescente, non. Le corps d’une femme est déjà complet. Le mystère a disparu. »

C’est à ce mystère émanant de la toile que Jouve fut sans doute sensible. Ne le retrouve-t-on pas dans les personnages féminins des romans de l’écrivain, de Paulina à Catherine Crachat, en passant par Hélène de Sannis ?

Dans Le Dossier Balthus, on peut lire qu'avec ce tableau, « ce ne sont pas les êtres ni les choses que Balthus peint, mais davantage les rapports d’absences et de silences qui les lient, comme une dissolution tragique de la communication. Ce que l’on croit comprendre avec Balthus, c’est que tout individu est seul au monde. » L’abandon d’Alice devant le miroir exprime son éloignement du réel, l’abandon à un ailleurs qu’expriment ses yeux aveugles. En cela le peintre nous semble proche de Jouve qui écrit dans En Miroir : « J’avoue un état de secret. Il faut entendre par là que je reconnais le lieu profond de l’œuvre faite, l’endroit où elle s’alimente et vit, qui n’est à aucun degré un « lieu commun ». » 

Autour de cette toile énigmatique, Alice dans le miroir, se cristallisent ainsi l’absence, le silence, le secret qui habitèrent les deux frères d'élection que furent Balthus et Jouve. Ce sont les mots clés de deux œuvre « en miroir », toutes deux dédiées à la douleur, au désir et à la beauté, dont on n’a pas fini de percer le mystère.

  Balthus, Autoportrait

Sources :

En Miroir, Journal sans date, Pierre Jean Jouve, Mercure de France, 1954.

Balthus, Texte de Jean Leymarie, Skira Classiques, 1990.

http://www.clairepaulhan.com.auteurs/Presse/presse

http://www.insecula.com/contact/A009054.htmll

http://www.lemondesesarts.com/DossierBalthus.htm

http://www.republique-des-lettres.fr/593-balthus.php

http://www.peintremik-art.com/2009/07/01/biographie-du-peintre-balthus

Mercredi 02 juin 2010.

Le premier acte de l'autobiographie de Gorki, Enfance (qui sera suivie de En gagnant mon pain et Mes universités), achevée en 1914, signe son retour en Russie. Il a alors déjà beaucoup vécu l'exilé qui s'appelle Alexeï Maximovitch Pechkov et qui est né le 16 mars 1868 à Nijni-Novgorod (future Gorki entre 1932 et 1990), d'un père ébéniste, Maxime Pechkov, et d'une mère, Varvara Kachirine, fille d'un teinturier. Contraint à travailler très jeune, il a fréquenté les marginaux de la société russe, les “bossiaks”, qu'il a imposés en littérature. Symbole de la lutte contre l'oppression tsariste, il a été assigné à résidence en Crimée. Il a connu le succès au théâtre avec Les Fas-Fonds ; il a fondé la maison d'édition Znanie ; il a été emprisonné. Il a vécu aux Etats-Unis puis à Capri.

Durant l'hiver 1913, très malade, l'écrivain, qui a choisi le nom de plume de Maxime Gorki (Le prénom est celui de son père et de son frère morts pendant sa toute petite enfance ; le patronyme signifie “amer”), se résout sur la demande de ses amis à écrire ses souvenirs d'enfance. Ces derniers sont essentiels pour comprendre ce romancier épris de liberté et de justice. Selon Hubert Juin, qui a écrit la préface de l'édition Folio Classique, ce livre possède « un ton inimitable » et « une netteté de style dont ses Oeuvres complètes offrent peu d'exemples ».

On ne peut en effet qu'être fasciné par la manière dont l'auteur raconte sa venue au monde et les premières années de sa vie, jusqu'à l'âge de douze ans, où il part "gagner [son] pain". Cette enfance marquera profondément son parcours futur et son idéologie, fondée sur une volonté farouche d'instruction pour les masses. Celui qui fréquenta très peu l'école, et qui écrivait qu'il n'en avait retenu que peu de chose, ne cessera de marteler son désir d'éducation. Quand son cousin Sacha est désireux de fuir sa famille et de l'emmener avec lui, il écrit : « Ce n'était pas possible ; j'avais moi aussi mon idée, je voulais devenir un officier à grande barbe blonde, et, pour cela, il fallait étudier. »

Il a compris que l'étude est le seul moyen de sortir de sa condition et de faire disparaître la brutalité sauvage remplie de cruauté de « cette race stupide » dont il fut la victime. Le récit de sa petite enfance est ponctué de scènes violentes, dont le grand-père maternel ou les oncles sont les principaux instigateurs. Après la mort du père, cela commence quand l'enfant et sa mère, accompagnés de la grand-mère, reviennent vivre chez le grand-père Kachirine à Nijni-Novgorod. Les oncles Mikhaïl et Iakov réclament leur héritage : « Ils montr[ent] les dents et se secou[ent] comme des chiens », tandis que leur père, tout rouge, frappe la table avec une cuiller, que les deux frères s'empoignent, que les chaises tombent et que les enfants se mettent à pleurer. Scène emblématique d'un « conte cruel » dont Gorki écrit qu'il reflète « ce cercle étroit, étouffant où vivait et vit encore le peuple russe ».

Au-delà de la souffrance de sa propre existence, le narrateur s'oblige à raconter cette réalité car il sait « qu'il est indispensable de la connaître parfaitement pour l'extirper de notre âme, pour la faire disparaître de notre vie, si pénible et honteuse”. Mais le propos de Gorki, s'il se veut didactique, est aussi nuancé : « Ce qui étonne chez nous, écrit-il à la fin du chapitre XII, ce n'est pas tant cette fange si grasse et si féconde, mais le fait qu'à travers elle germe malgré tout quelque chose de clair, de sain et de créateur, quelque chose de généreux, de bon qui fait naître l'espérance invincible d'une vie plus belle et plus humaine. »

Certes, les scènes de violence sont souvent insoutenables : l'enfant est régulièrement fouetté de verges jusqu'à en perdre connaissance ; les deux frères de Varvara sa mère, Mikhaïl et Iakov, ont voulu tuer Maxime, le père de Gorki, en le noyant dans un lac gelé ; ils écrasent le compagnon Tsyganok sous le poids d'une croix ; le grand-père frappe même sa femme en présence de son petit-fils ; l'oncle Mikhaïl assène un pieu sur sa mère ; à la fin de sa vie, Varvara devenue irritable bat régulièrement son fils.

C'est encore tout un petit peuple souffrant au travail que décrit Gorki : le charretier Piotr qu'on retrouve mort, la gorge tranchée ; la femme de Iakov battue à mort par son époux ;  l'aide Grigori qui deviendra aveugle et sera abandonné par la famille Kachyrine ; Varvara, la mère veuve, qui n'a de cesse de se remarier pour sortir de sa condition, mais mourra ruinée par son second mari. Tous moujiks pitoyables et magnifiques.

Et pourtant, au plus profond de l'horreur et de la brutalité, on perçoit l'amour exclusif du petit-fils pour sa grand-mère, qui illumine le livre. Le petit-fils, qu'elle appelle sa « petite âme bleue », le dit très vite au chapitre premier : « […] elle parut, me réveilla et me guida vers la lumière. Elle lia d'un fil continu tout ce qui m'entourait, en fit une broderie multicolore et tout de suite devint mon amie à jamais, l'être le plus proche de mon coeur, le plus compréhensible et le plus cher. Son amour désintéressé du monde m'enrichit et m'insuffla une force invincible pour les jours difficiles. »

La voix « pensive et mystérieuse » de la grand-mère Kachyrine assise près de la fenêtre lui dit des contes et des légendes, lui fait part des événements de sa vie, lui parle de son père. Sous les yeux de son petit-fils, Ivguénia se met à danser et retrouve toute la beauté de sa jeunesse ; elle soigne un sansonnet et s'attache à lui apprendre à parler. L'enfant l'entend évoquer son passé avec son époux : « C'était une chanson triste où il était question de maladies, d'incendies, de coups et de morts subites, d'adroites filouteries, de simples d'esprits et de seigneurs cruels. » Elle recommande à son petit-fils de garder son coeur d'enfant et d'attendre que Dieu lui indique sa mission et lui montre sa voie. Elle croit en un Dieu de compassion qui, « par moments, se met à sangloter ». Toujours prête à défendre ses enfants contre les violences de son mari, la grand-mère est l'objet de l'admiration sans bornes de son petit-fils : « Tu es vraiment une sainte! On te tourmente, on te martyrise, et toi, tu supportes tout! » On retiendra encore la description des nuits à la belle étoile où l'enfant et Ivguénia regardent le ciel tandis que la grand-mère raconte encore de longues histoires choisies, qui rendent la nuit « significative et plus belle ».

Avec cette enfance, qui se déroule entre les figures d'un grand-père tyrannique et d'une aïeule tendre et compatissante, dans un milieu d'artisans livré aux duretés d'une vie sans espoir, Gorki fait un tableau sans concessions du peuple russe. Il s'y révèle un portraitiste remarquable tout en prônant l'importance de l'action et de l'indépendance. Entre la mort inaugurale du père et celle de la mère à la fin du livre, l'enfant butine dans cette enfance comme dans une ruche dont le miel fut souvent “impur et amer”. En nous la livrant sans fard, il nous donne aussi quelques clés pour aborder aux rivages de la beauté et des tourments de “l'âme russe”.

Enfance, Maxime Gorki, Folio Classique n°823, Préface d'Hubert Juin.

Lundi 31 mai 2010

Concevoir et attendre un enfant alors que sa mère se meurt d'un cancer, c'est cette épreuve que Justine Lévy, Louise dans le roman, raconte avec rage et lucidité dans Mauvaise fille. Ne se sent-elle pas monstrueuse d'avoir « zappé [sa mère] en faisant un enfant »? Ne culpabilise-elle pas de manquer d'amour pour celle dont elle se sent si proche, malgré les aléas de la vie? La mort de sa mère est une épée plantée en plein coeur : « Je sais que la date me poursuivra, que je vieillirai à la place de maman, que je prendrai chaque année deux ans, un pour moi, un pour elle, jusqu'au jour où je serai plus vieille qu'elle et que le temps m'aura rattrapée, il ne suffit pas de dire je ne crois pas au temps pour que le temps n'existe pas et qu'on ne souffre pas atrocement le jour de l'anniversaire de la naissance ou de la mort de sa maman. Mais c'est ainsi. Je suis ainsi. Mauvaise fille. »

Elle décrit avec une minutie quasi-masochiste les premiers symptômes de sa grossesse, la peur, la honte, la culpabilité engendrées par la venue d'un être qu'elle aimera plus qu'elle-même et plus que sa mère, Alice. Elle se revoit, elle la vivante, annonçant à celle qui l'a portée que sa fille est enceinte alors que la malade est déjà trop faible pour le comprendre : « J'ai trop attendu et je crois qu'elle ne m'a pas entendue. » Et quand sa fille naît, songeant à sa mère morte d'un cancer du sein, elle refuse de l'allaiter : « Le bon lait maternel que je ne lui donnerai pas, les bons anticorps, la bonne fusion, je ne veux pas de cette fusion là, elle me dégoûte, on s'aime et puis on souffre et puis on est une mère indigne et on meurt. »

Le lecteur suit ainsi en parallèle la grossesse de la narratrice et le lent cheminement de la maladie chez sa mère. En un dosage subtil, la jeune femme alterne ces deux étapes de sa vie, tellement inconciliables. Elle narre les inquiétudes liées à l'attente de l'enfant, “cette excroissance d'elle-même, ce morceau de [soi]”, qu'elle traite d'abord aussi mal qu'elle. Elle évoque avec humour le rendez-vous chez l'aptonomiste qui lui dit de parler à sa fille et de ne pas garder stress et tristesse “dans la gorge et dans le ventre”. Elle explique comment elle déteste sa sensiblerie nouvelle, ce corps qu'elle ne reconnaît plus Elle insiste sur son refus d'être regardée, sur son rejet de l'air “béat” et “guilleret” du “club des enceintes”. Elle s'interroge, se demandant si elle sera une bonne mère, alors qu'elle déteste sa vie, qu'elle fume et qu'elle a peur.

La narratrice ne fait l'impasse sur rien. Elle dit les visites éprouvantes et humiliantes avec sa mère chez Toubib, le Grand Professeur, incapable de retenir le nom de sa patiente, indifférent à son sort, et devant qui la malade doit étaler sa “nudité ruinée”. Elle raconte les visites à l'hôpital Saint-Louis, “son sale et vieux copain”; elle dit le manque de maman, celle avec qui elle riait tant, car est-ce encore maman, “cette chose-là, reliée à ses tuyaux”? Elle se demande quels sont les mots qui soulagent, répertorie les petits gestes qu'elle accomplit- lui tenir les mains, lui lire des livres, la forcer à manger- décrit les instants où elle n'en peut plus d'assister à l'agonie de sa mère, cette “chose” cette “forme”, “que le cancer a bouffée de l'intérieur”. Elle se remémore le séjour à l'île d'Houat lors de sa rémission, quand sa mère souhaitait devenir la bonne mère qu'elle n'avait jamais su être. La fille garde en mémoire « la dernière plainte qui n'est pas sortie », le « dernier mot de maman. Il n'a plus que moi ce mot».

C'est ainsi que grâce à l'écriture, elle écrit une émouvante élégie à la mère morte. La narratrice se dit que sa mère est peut-être tombée malade pour qu'un rapprochement s'opère entre elles. Elle évoque l'amour de ses parents, “quand ils avaient dix-huit ans et qu'ils s'aimaient et qu'ils étaient beaux, et jeunes, et la vie devant eux, et sur pied d'égalité, aussi forts, aussi amants, autant de chances l'un que l'autre.” Elle revoit celle qui s'appelait Alice, avec son visage de « vierge phosphorescente avec quand même cet air de dédain général». Elle souligne sa « grande beauté d'avant le cancer, […] qui excusait tout, qui rachetait tout, même le mal qu'elle [lui] faisait». Elle rappelle comment son père, après leur séparation, n'avait jamais cessé de la comparer aux autres femmes qu'il rencontrait et comment Alice “était toujours la plus belle”. Elle se souvient comment, sans ressources, elle était toujours prête à dépanner un copain. Elle livre la lettre envoyée à son père, datée du 23 juin 98, celle dans laquelle elle écrit : “Bernard. Tu vas rire : j'ai bien vécu, j'ai eu plein d'aventures étranges et d'autres très jolies comme Louise. J'ai été une belle femme. Pas trop con et parfaitement indaptée sociale, ce qui m'a, paraît-il, conféré un certain charme Mais, ce mardi 23 juin, j'ai décidé que j'avais assez vécu... ”

Et alors que sa mère descend dans la terre « avec son kimono aux manches larges, pour cacher son gros bras », elle verse des pleurs libérateurs tandis que son enfant lui donne des coups de pied dans le ventre : « parce que c'est la vie qui palpite, qui veut croître, qui proteste, la vie dans le ventre, la vie comme dans une poupée russe, et au même moment, maman, en bas, dans la terre, cogne et tambourine contre le bois, ça s'appelle la concordance des temps et ce sera ma vie maintenant. »

Dans cette sorte d'autobiographie romancée- on reconnaît sans difficultés BHL dans le père de la narratrice-, Justine Lévy dit avec justesse et désespoir la douleur de devenir orpheline en même temps que le bouleversement de mettre un enfant au monde. L'ouvrage, cependant, se clôt sur le constat du « train de vie » inéluctable : n'est-ce pas dans l'ordre des choses que la mère meure pour que la fille devienne mère à son tour? Au-delà de la colère, du scandale, des regrets, la « souffrance séchée » n'est-elle pas tout simplement ce que Boris Cyrulnik appelle du beau mot de résilience?

Jeudi 27 mai 2010

  L'Arlésienne, Van Gogh

Dans le Carnet de Poésie de ma grand-mère, deux textes qui se suivent évoquent le Sursum corda. Cette expression latine renvoie à l’injonction : « Elevons nos cœurs », qui ouvre le dialogue d’ouverture de la préface de la prière eucharistique, au cours de la messe catholique. Elle est encore l’anaphore de certaines liturgies des Eglises orthodoxes et catholiques orientales, celles de saint Basile et de saint Jean Chrysostome. Elle est souvent traduite par l’expression : « Haut les cœurs ! ».

Le premier texte, non daté, est signé du nom de Marie Gasquet (1872-1960). Née à Saint-Rémy de Provence, celle-ci est un écrivain de Provence, fille du poète provençal Marius Girard. Célèbre pour sa culture et sa beauté, filleule de Frédéric Mistral, elle fut désignée en 1892 comme reine du Félibrige. (Fondé officiellement le 21 mai 1854 (jour de la Sainte Estelle), dans le château de Font-Ségugne, à Châteauneuf de Gadagne, qui appartenait alors à la famille Giera, le Félibrige est, au départ, un mouvement littéraire provençal, ayant pour objectif la défense de la langue d’oc.)

Elle épousa Joachim Gasquet, un poète ami de Paul Cézanne, fut directrice de collection chez Flammarion et écrivit une dizaine de romans, dont le plus connu s’intitule Une enfance provençale.

Il est probable que ma grand-mère la rencontra au cours d’une conférence, peut-être sur un thème religieux. N’a-t-elle pas écrit sur Jeanne d’Arc, la Fête-Dieu ou encore Bernadette de Lourdes ? Les quelques lignes qu’elle lui offre alors sont, pour celle que la tristesse guette, une invitation à porter haut son regard et ses aspirations.

« Lorsque, à la manière des marins de Dunkerque, on sait naviguer non sur la vague qui menace mais sur l’étoile qui conduit, on peut fièrement dire si la tristesse vient : "Ce qui me console le mieux, ce n’est pas ce que j’ai atteint, c’est ce à quoi j’ai aspiré."

                                                                   Sursum Corda

                                                                   Marie Gasquet »

Le second texte, porte la signature d’une certaine Ag. Dubuisson, sans doute une amie de ma grand-mère. Il est en date du 18 mars 1933. Le 05 mars, dans un climat de terreur, le parti nazi a remporté les élections en Allemagne, le 23 mars, le Reichstag accorde les pleins pouvoirs à Hitler et le 29, une loi abolira les libertés fondamentales.

Avec une certaine modestie, cette femme dit hésiter à laisser une « pensée » sur la page qu’on lui tend. Elle évoque avec émotion – semble-t-il- un jour précis où ma grand-mère et elle se sont rencontrées. Je me demande ce que cache ici l’expression « Sursum ». Fait-elle allusion à une difficulté particulière, à un deuil, à la « montée des périls » ? Comment le savoir ?

« Si je ne savais pas que l’ombre fait valoir la lumière, je n’écrirais pas après les pages précédentes…

De talent  je n’en ai point, mais seulement un peu de cœur….. Dans cet album, comme dans votre vie- simplement- je puis laisser une trace d’affection, évoquant l’heure belle où mon cœur a rencontré le vôtre sur cette route du « Sursum ».

                                                      Ag. Dubuisson

18 mars 1933

L’emploi récurrent de l’expression « Sursum Corda » est-il l’indice que les deux femmes font allusion au même événement ? Peut-être. Toujours est-il que, parodiant le titre d'un roman de Marie Gasquet, Ce que les femmes disent des femmes, ce que deux femmes disent ici à une troisième ne me semble pas si vain…

Sources :

fr.wikipedia.org/wiki/Marie_Gasquet

Dimanche 23 mai 2010

Chronos dévorant ses enfants, Goya

Dans les couloirs du sang

Tout au creux de mes yeux

Immobile aux aguets

Le Temps

Attend

Insidieux et secret

Au long cours de mes veines

Sinuant doucement

Le Temps

Se tait

Au plus profond des doutes

Où mon esprit se perd

Statue  fossilisée

Le Temps

Ecoute

Dieu  au masque d’idole

A l’ombre du mystère

Au berceau des années

Le Temps

Somnole

Violent et brutal

Sous la soie de ma peau

A coups bien assénés

Le Temps

S’emballe

Hystérique et pervers

Au cœur de mes entrailles

Clouant au pilori

Le Temps

Lacère

Ombrageux Minotaure

Dans le profond des nuits

Courant vers l’infini

Le Temps

Dévore

Pour papierlibre.over-blog.net

Personnifier un animal, une plante ou une chose pour décrire l’immobilité et le mouvement ou le silence et le bruit.

Vendredi 21 mai 2010