Ex-libris

Vendredi 29 avril 2016, le Théâtre-Le Dôme à Saumur résonnait des accents mélancoliques du fado. La jeune chanteuse Carla Pirès, interprète de la nouvelle vague de ce genre musical portugais, y proposait les chansons de son nouvel album, Aqui (Ici).

Accompagnée de ses trois musiciens, Jorge Carreiro à la guitare basse, Pedro Pinha à la guitare classique et Bruno Mira à la guitare portugaise, elle a envoûté la salle par la puissance et la poésie de sa voix d’alto d'une grande pureté. Ses longs cheveux noirs et bouclés sur les épaules, vêtue d’une élégante robe aux reflets noirs et gris lui dénudant l’épaule droite et rehaussée d’une grosse ceinture de soie, elle nous a fait partager cette saudade portugaise si difficile à définir mais qui donne le frisson.

« La saudade ne s’explique pas. Elle se vit, entre autres par le fado » explique Belmira Perpetua. Association de sentiments mêlés, mélancolie, tristesse, regrets, rêverie, nostalgie, insatisfaction, elle est pour Camões « un bonheur hors du monde » et, pour Fernando Pessoa, « la poésie [même] du fado ». Si Carla Pirès, fidèle en cela à la tradition, exprime avec puissance et sensualité « les larmes de Lisbonne », elle propose cependant une vision renouvelée du fado : « Le fado, ce n’est pas que de la tristesse. J’ai choisi une autre image pour chanter d’autres âmes, d’autres couleurs. Et ce afin de renvoyer une image moins obscure. » En effet, durant la dictature de Salazar, le fado fut considéré comme « un chant de résignation », « le chant de l’analphabétisme et du conformisme », selon Misia. Le mot d’ordre, alors, n’était-il pas : « Fado, Fatima, Famille. » ? Carla Pirès se situe ainsi dans ce mouvement, né lors de la révolution des œillets en 1974, qui s’est orienté vers un nouveau fado, « ouvert vers les bruits actuels du monde, plus léger en harmonies », vers des sonorités plus contemporaines.

Les premières chansons que la chanteuse nous a proposées reflétaient bien l’atmosphère propre au fado traditionnel. Sombres, puissamment mélancoliques, elles ont plongé le public dans cet Alfama où l’on chante le « bonheur-malheur », le voyage, le destin et l’exil. Le fond de scène, drapé de cinq grands pans de rideaux verticaux, superbement éclairé de mauve, de gris ou d’orange, a accentué encore la mélancolie des textes. La sobriété de l’expression, l’économie des gestes de Carla Pirès, qui les mesure en tragédienne, la profondeur et la sensualité de sa voix, ont fait pénétrer en chacun la magie splénétique du fado, ce « chant profond du manque ».

Elle a bien sûr célébré Lisbonne, Lisboa, « si féminine et si diverse » ; puis elle a chanté deux poèmes d’amour de sa composition, « importants » pour elle pour cette raison, dont un mis en musique par son guitariste classique. Généralement chanté par une femme, la fadista, le fado chante bien sûr aussi l’amour. Misia, celle qui a donné un nouveau souffle au fado, l’explique ainsi : « Le fado touche au rituel de la douleur féminine. Particulièrement ses douleurs d’amour. C’est peut-être pour cela que les femmes chantent si bien le fado, parce qu’elles tutoient intimement les souffrances de la vie. »

Carla Pirès a ainsi rendu hommage à la « reine du fado » (Rainha do Fado), Amália Rodriguès. Quel beau moment que celui où, assise sur une chaise, aux côtés de ses musiciens, baignée dans une lumière rouge, elle a chanté avec âme, tout en lenteur, en douceur et en profondeur, en lui rendant hommage ! On sait par ailleurs que c’est en interprétant son rôle pendant quatre ans (de 2002 à 2004) dans une comédie musicale à succès, Amália, que la jeune chanteuse se fit connaître.

Dans ce récital, j’ai aimé encore la connivence entre Carla Pirès et ses trois musiciens dont la musique accompagne admirablement ses chansons. On sait que la capacité à s'adapter au chanteur, le doigté, le "pincé des cordes", la pureté des notes, l'accord entre les guitaristes, sont des éléments essentiels dans le fado. Admirative devant le talent de ses musiciens, c’est avec humilité que la chanteuse s’est éclipsée un moment de la scène pour laisser la première place à Bruno Mira. Dans un moment musical de toute beauté, nous avons pu ainsi découvrir les possibilités harmoniques de la guitare portugaise. Proche de la mandoline et appelée guitarra au Portugal, elle est en forme de cœur (disent les poètes) et possède douze cordes associées deux par deux.

Avec des arrangements parfois teintés de jazz, des échos de tango, des accents plus entraînants ont animé la fin du spectacle. Après plusieurs rappels enthousiastes et trois chansons supplémentaires, le récital s’est achevé sur « une marche à la joie », « Opovo canta na rua », rythmée par le claquement de mains des spectateurs et par leurs voix reprenant le refrain.

Et c’est avec regret que nous avons quitté la salle, la tête et le cœur pleins de la voix prenante de Carla Pirès, charmés par son fado, cette « épine amère et douce », ainsi que le qualifiait Amália Rodriguès.

Sources :

Programme de La Direction des Affaires Culturelles

http://www.portugalmania.com/culture/fado/guitare-portugaise.htm

http://www.espritsnomades.com/sitemusiquedumonde/fado/lefado.html

http://www.teiaportuguesa.com/terraeportucalensis/lasaudade.htm

Gilles Servat en concert à Etel

(Photo ex-libris.over-blog.com, mercredi 30 juillet 2014)

C’était mercredi 30 juillet 2014, après une belle journée de soleil, et Gilles Servat, venu en voisin je crois de Locoal-Mendon, chantait au cinéma La Rivière à Etel. Devant le grand et vieux  rideau rouge, un peu mangé aux mites, le chanteur a d’abord cherché à savoir si le public l’entendait et le voyait bien. C’est sûr que ce n’était pas gagné avec toutes ces têtes chenues dans la salle, une sono et une lumière approximatives ! On a cherché à ouvrir le rideau mais ce n’était sans doute pas mieux et Gilles Servat a repris sa place initiale. De toute manière, lorsqu’il commence à chanter de sa voix puissante et caressante tout à la fois, même le granit en tremble !

Gilles Servat a entamé son récital avec deux chansons de ses anciens albums et notamment Je dors en Bretagne ce soir où il dit avec tant d’âme les ombres et lumières du « pays qui regarde la mer ». Ensuite, il nous a donné à entendre de nombreuses chansons de son 22ème et dernier album sorti en 2013, C’est ça qu’on aime vivre avec. Le titre est celui d’une chanson qui a donné lieu, à la fin du tour de chant, à une véritable leçon de « bretonnismes », les parlers de Groix à Nantes, en passant par Etel, Locoal-Mendon et Douarnenez. Saviez-vous qu’un « adam », c’est le premier rhum qu’on sirote au matin aux halles de Nantes ou qu’un « betterave », c’est un verre de rouge ? En amoureux des mots bretons, celui qui connaît le grec, le latin et l’irlandais ancien nous a plongés dans leur vie travailleuse et quotidienne. Gilles Servat explique dans une interview que cette chanson est « un hommage au parler des gens de chez nous, ceux avec qui j’aime vivre ». En l’écoutant, j’ai pensé au poète Gaston Couté, chanté par Gérard Pierron, et célébrant le parler « d’chez nous », celui de Meung-sur-Yèvre.

Gilles Servat a aussi évoqué ses proches à travers trois chansons. Son fils, d’abord, avec C’est mon gars, un texte tout empreint de tendresse et d’admiration paternelles : « C’est mon dragon des mangas/ Mon tigre blanc des taïgas… » Ensuite, avec une chanson à la mélodie légère et primesautière, ce sera Bleuenn, dans sa petite enfance de sept années, sa fille qui, devenue grande, chante avec son père dans son dernier CD. Enfin, à l’occasion des cinquante ans de Rozenn, sa compagne (« Cinquante ans, cinquante ans, priez pour elle ! »), En 62, quand elle est née nous a fait revivre les sixties et les seventies, en une rétrospective précise de sa vie : « C’est comm’ça que 33 ans plus tard/ Après une soirée musicienne/ Rozenn rattrapait son retard/ Et qu’ma vie devenait la sienne. »

Certes, pour beaucoup, Gilles Servat est le chanteur rebelle et militant. Ainsi, il ne pouvait pas manquer de chanter son succès mythique La blanche Hermine. Celui-ci n’a-t-il pas été repris récemment par les Bonnets rouges, tout comme il pourrait l’être pour une nouvelle géographie des régions, puisqu’il définit les frontières historiques de la Bretagne avec Fougères et Clisson ? Sans oublier de célébrer les bénévoles (sans qui nombre de festivals ne pourraient exister) avec Sur le front des bénévoles, Gilles Servat a rendu hommage au Peuple des Dunes, par le biais d’une chanson écrite par Brigitte Grésy. Elle y remémore le combat victorieux des habitants de la baie d’Etel contre le projet catastrophique d’une extraction de sable, destructrice de la faune et de la flore marines. Mobilisé entre 2005 et 2009, le Peuple des Dunes n’aura pas été le « dindon de Lafarge » ! L’indignation du chanteur éclate surtout dans une chanson au vitriol, La Paroisse de Prêchi-Prêcha. A l’occasion d’un voyage en Irlande et du film les Magdalena’s sisters, il fustige la pédophilie dans l’Eglise, les lâchetés auxquelles elle donne lieu et une vision conservatrice de la femme pécheresse. Ce qui impressionne chez Gilles Servat, c’est sa sincérité alliée à une force de conviction inentamée par les années. La chanson Sans d’mander la permission l’exprime à son tour avec puissance : « Nous-mêmes, nous-mêmes, mieux vaut l’aventure que la mort ! »

Cette rébellion viscérale, ce message qui dit à chacun de résister pour tenir debout, est bien sûr un des aspects essentiels du chanteur, mais ce à quoi je suis, pour ma part, le plus sensible, c’est à sa voix poétique. Lorsqu’il célèbre le moulin de Guérande « au grain de ses années » et les œillets pris dans le sel de Saint-Guénolé, c’est une Bretagne intime et viscérale qu’il chante. Lorsqu’il évoque Tad er martelod et qu’il transforme la mère du marin en père du marin pleurant son fils péri en mer, l’émotion est palpable : la mère de Dieu avait un corps à pleurer, le père du marin n’en a pas. Lorsqu’il chante La Forêt sur la rade, métamorphosant les mâts des bateaux en fûts des forêts, c’est le regard du poète, celui qui voit autre chose dans la réalité du monde. Lorsque, dans Hiérarchies, il s’imagine être au monde en de multiples avatars et qu’il souligne la relativité de nos existences dans l’univers infini, sa poésie se fait philosophie. Il l’affirme haut et fort : « Je ne chante pas que des textes militants, je cherche à partir des choses qui m’environnent, à créer des chansons universelles. » (23-24 juillet 2011, Ouest-France)

Après presque deux heures de chanson, avec beaucoup d’élégance et de délicatesse, Gilles Servat, toujours dans une proximité simple avec son public, s’est excusé d’avoir dû parfois reprendre une ou deux phrases à cause d’une lumière trop forte. Mais de cela, nul ne s’est soucié. Sa voix profonde, qu’il sait moduler avec tant de nuances, nous a envoûtés. Et je me suis dit que, depuis les années 70 où il nous a toujours accompagnés, nous et nos enfants, Gilles Servat, c’est vraiment celui « qu’on aime vivre avec » ! 

Gilles Servat en concert au cinéma La Rivière à Etel

(Photo ex-libris.over-blog.com, mercredi 30 juillet 2014)

La dédicace de Steph Moriarty sur le dernier album, Fugitives

(Photo ex-libris.over-blog.com, 24 décembre 2013)

Pour la deuxième ou la troisième fois, nous avons passé la soirée de Noël avec la famille de ma belle-fille, dont le cousin germain est le guitariste et contrebassiste du groupe Moriarty. Architecte de formation, il en est l'un des cinq membres masculins avec Thomas Puéchavy, Arthur B.Gillette, Charles Camignac et Eric Tafani, Rosemary Standley en étant la chanteuse. L’occasion, pour celui qui se surnomme Steph Moriarty, de nous dédicacer le dernier album du groupe intitulé Fugitives qu’il nous a gentiment offert. A main levée, sur la pochette conçue par lui, Clement Deuwe et Ondine Pannet, il nous a dessiné un de ces personnages de vagabonds qui sont au cœur de ce dernier opus. En effet, sur la pochette du  CD, on peut lire qu’il est un essai « to capture the elusive spirits haunting the tales of ghosts, thieves, outlaws and assassins… » 

Ce CD reprend donc les vieilles ballades des ancêtres du folk que sont Woodie Guthrie, Hank Williams et encore d’autres textes plus anciens dont on a perdu l’origine exacte. Mais il s’agit toujours d’histoires de mauvais garçons en perdition, de femmes aimées et abandonnées, d’êtres en errance sur la route. L’harmonica, la cithare électrique, le banjo, la guitare électrique, la variété des percussions, le rythme bien marqué, la voix claire de Rosemary Standley, dont on aime les aigus légers, confèrent à l’ensemble ce charme si particulier qui est la marque de fabrique de ce groupe atypique.

Atypique d’abord peut-être par le nom qu’il s’est choisi : Moriarty. On sait qu’il s’agit de Dean Moriarty, le nom du personnage de Sur la route (1957) de Jack Kerouac. On pourra s’étonner du choix d’un tel patronyme, celui de l’ami de Sal Paradise, mi-ange, mi-démon et devenu l’ « âme du Beat ». Substitut de Neal Cassidy, l’ami réel de Kerouac, il a « passé un tiers de sa vie dans les salles de billard, un tiers en prison et un tiers dans les bibliothèques publiques ». Sans doute est-ce parce que la parole de l'écrivain américain est une parole libre, pleine d'énergie, à l'image de ce qu'aspire à être celle de Moriarty.

Et tout comme le roman de Kerouac s’est construit au cours des nombreux voyages entre l’Est et l’Ouest américain, les chansons du groupe se créent, s’affinent, se précisent, trouvent leur tonalité juste au cours des tournées. Ainsi le groupe peut partir sur la route alors que le disque n’est pas encore enregistré et le public incarne alors le rôle d’agent extérieur avec lequel il faut jouer et composer.

Cet esprit d’indépendance, de liberté, qui est celui du personnage littéraire, s’exprime par ailleurs dans la volonté du groupe de s’affranchir des contraintes matérielles du show bizz. Après avoir enregistré son premier album (Gee Whiz But This Is a Lonesome Town, 2007) chez Naïve, il a choisi, en 2010, de créer sa propre maison de production, Air Rytmo « afin de se réconcilier avec sa propre lenteur » et de créer sans contraintes, à son propre rythme.

Steph Moriarty, dans une interview passionnante à Parallèle[s] explique le choix de ce nom surprenant. Six membres du groupe viennent d’horizons divers et ont des attaches notamment avec les Etats-Unis. Tout comme les personnages de Kerouac remettent en question certains aspects de la civilisation américaines, plusieurs de leurs parents ont fait ainsi le choix de quitter l’Amérique pour la vieille Europe.

Steph Moriarty en train de dessiner sa dédicace sur l'album Fugitives

(Phot ex-libris.over-blog.com, le 24 décembre 2013)

Le contrebassiste poursuit en précisant que, pour le groupe, Kerouac est en fait un « stimulus de départ », qui joue le rôle de « déclenchement de la mémoire ». Il en retient la fluidité et la musicalité d’une prose spontanée. Il en aime la liberté de l’improvisation jazz qui invite à la surprise. Steph Moriarty reconnaît qu’au fil des concerts, des rencontres, le groupe découvre « un nouveau sens à ce nom ». Ce patronyme n’est-il pas irlandais, l'Irlande, ce peuple de voyageurs parti aux Etats-Unis et jusque dans la lointaine Australie ? A Adélaïde, au cours d’une de leurs tournées, les membres du groupe ont ainsi rencontré des Australiens, curieux de connaître ces musiciens qui avaient le même nom qu’eux !

Enfin, le musicien reconnaît, qu’au-delà de Kerouac, c’est sans doute le thème de l’immigration qui est fondateur et fédérateur. Soit l’immigration volontaire dont on vient de parler, soit l’immigration forcée, l’exil, qui est au cœur notamment de sa propre famille. Chaque membre du groupe a une culture musicale et des goûts différents ; pourtant, créant et composant ensemble, ils sont conduits inévitablement vers une forme de "créolisation de la musique", qui leur permet de faire vivre un langage commun.

C’est cela que j’aime dans la philosophie de ce groupe : tout comme les personnages de Kerouac sont ouverts à l’imprévu de toutes les rencontres, les membres de ce groupe, issus d’horizons différents, nous invitent à nous ouvrir à la culture de l’autre, celui que l’on rencontrera sur « sa » route.

      Steph Moriarty

(Photo ex-libris.over-blog.com, 24 décembre 2013, Effet Holga)

Sources :

Le site de Moriarty : link

Parallèle[s], interview de Steph Moriarty

Daily Rock, interview de Rosemary Standley et Stephan Zimmerli

Aujourd’hui, on apprenait avec émotion la mort de la jeune chanteuse Lhasa de Sela, décédée d’un cancer du sein à l’âge de 37 ans.

Trop brève  existence et trop brève carrière, mais déjà tellement remplie, pour cette chanteuse américano-mexicaine qui avait trouvé à Montréal un endroit où poser ses valises. « N’importe où dans le monde, ce ne sera jamais comme à Montréal » disait-elle.

Née en 1972 dans une famille anti-conformiste, elle avait durant sa jeunesse connu une vie nomade dans un bus sur les routes du Mexique et des Etats-Unis. Nul doute que ces errances l’avaient ouverte aux beautés du monde et avaient inspiré par la suite ses chansons.

Sa musique chaude, intimiste, était exaltée par une voix cassée, voilée, qui évoluait du grave à l’aigu avec un égal bonheur. Elle avait composé des chansons aux influences multiples, tsigane, pop, blues, folklore mexicain, qu’elle pouvait chanter en anglais, en espagnol et en français. La Lhorona (La Pleureuse) en 1997, puis The living road en 2003, et enfin son dernier album, sorti en 2009, sobrement intitulé Lhasa, lui avaient valu une reconnaissance internationale. En 2005, elle avait été consacrée « Meilleure artiste des Amériques » aux Awards for Worldmusic de la BBC. Toujours curieuse de tout, elle préparait un album dans lequel elle voulait interpréter des chansons des artistes chiliens Victor Jara et Violeta Parra.

Certaines paroles de son dernier album, qui porte donc son prénom, résonnent tel un testament, comme si elle pressentait le tragique destin qui serait le sien. On écoute le cœur serré la première strophe de « Is anything wrong » :

I used to say

I’m ready show me the way

Then another year or two

Would pass by me

Dans la deuxième chanson “Rising”, elle se décrit emportée dans un orage :

I got caught in a storm

That’s what happened to me
So I didn’t call
And you didn’t see me for a while

[…] I was rising up

Dans “A fish on land”, elle s’interroge sur la vie:

I had a dream last night
A fish on land

Gasping for breath

Just laughed

And sang this song

Is life like this for everyone

Is life like this for everyone

Un intense sentiment de mélancolie nous gagne quand elle chante « Where do you go » :

Where do you go

When your tides get low

In the summer dress

Of your drunkenness
I go far from here

Where the silence sleeps

In the very deeps

Of the holy blue

And I dream of you

I dream of you

Petite araignée qui  se demande quand reviendra le bonheur :

Lonely spider waiting in her web

Hoping she can catch some happiness
Oh when will happiness come by again

Elle sait pourtant que la liberté- celle de l'au-delà de la mort?-viendra:
I have no way to prove it

No proof but I believe

A thousand and one nights of this

And then I will be free

Dans “I’m going in”, Lhasa ne nous dit-elle pas qu’elle s’en va ?

When my lifetime had just ended

And my death had just begun

I told you I’d never leave you
But I knew this day would come

A la dernière chanson de l’album, les larmes affleurent aux paupières:

The leaves are falling falling down

Down into sound and sun

And no one is afraid of you
And you’re not afraid of anyone

Lhasa, where did you go?

Lundi 04 janvier 2010.