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8 août 2014 5 08 /08 /août /2014 21:29

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Le château de Saumur vu du quai du Marronnier

(Photo ex-libris.over-blog.com, jeudi 7 août 2014)

 

 

Jeudi 7 août 2014, c’était les Grandes Tablées à Saumur mais j’avais préféré des nourritures plus spirituelles en me rendant à l’invitation d'amis, un sculpteur et une pianiste, qui nous recevaient pour un concert privé, quai du Marronnier. Dans leur haute maison de brique et de tuffeau, face à la Loire et au château, nous avons eu la chance d’écouter trois artistes de très grand talent : le guitariste français Jean-François Reille, et deux Autrichiens, la pianiste Johanna Horny-Neumann et le corniste Roland Horvath, qui composent le Duo Wiener. Ces trois musiciens aiment ainsi à se retrouver chez des particuliers, pour jouer en privé dans une atmosphère conviviale qui leur permet de rencontrer leur public de manière plus intime et plus personnalisée.

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Jean-François Reille (Photo Saumur Kiosque)

C’est Jean-François Reille le Marseillais, désormais Saumurois d’adoption, qui a entamé ce récital. Cet « enfant de la musique » ainsi qu’il se définit (son grand-père était chef d’orchestre, son père violoniste et sa mère pianiste), dont Andrès Segovia détermina la vocation, nous a d’abord expliqué que l’ancêtre de la guitare, c’est l’arc, devenu cithare puis guitare. En guise d’entrée en matière, il nous a proposé avec un brin de malice un morceau de musique contemporaine. Son goût personnel le porte vers cette musique mais il n’en joue guère en public car cette « salade mal assaisonnée » est souvent peu - ou mal - appréciée. Toujours est-il que le morceau choisi m’a semblé très accessible et que mes oreilles n’en ont point été heurtées.

Ensuite, entrecoupant son récital d’anecdotes choisies et de remarques techniques, le guitariste nous a donné à entendre  une « musique romantique », ainsi qu’il qualifie celle qu’il compose et aime à interpréter. Appréciant particulièrement  les morceaux qui ont « un sens mélodique », Jean-François Reille nous a offert un aperçu de la richesse des œuvres des compositeurs d’Amérique du Sud. Antonio Lauro (1917-1986) le Vénézuélien était ainsi présent avec Trois valses. Celui qui fut emprisonné sous la junte du général Jiménez ne disait-il pas que, dans une vie de Vénézuélien, il y a toujours un passage obligé par la prison ?

Le guitariste nous a aussi proposé l’Eloge de la danse du cubain Leo Brouwer. Né en 1939 à La Havane, c’est un compositeur majeur pour la guitare classique, mais aussi pour le cinéma et de nombreuses formations musicales. Puis Jean-François Reille a joué Mes Ennuis du compositeur espagnol Fernando Sor (1778-1839). Cette œuvre fut inspirée au musicien à l’occasion de ses prises de position pro-napoléoniennes lors de la guerre d’Espagne. Il quitta en effet son pays et s’exila à Paris.

Au cours de cette balade harmonieuse au pays de la guitare classique, Jean-François Reille a ainsi interprété de nombreux airs dont je n’ai, hélas, pas retenu tous les titres. J’ai aimé la concentration extrême avec laquelle il joue et la sensibilité qui émane de son doigté. J’ai apprécié la simplicité avec laquelle il nous a donné quelques clés pour approcher la guitare, cet instrument dont il dit qu’il requiert exigence et ténacité.

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Johanna Horny-Neumann au piano et Roland Horvath au cor

Le soleil éclairant de ses derniers rayons le salon où nous nous tenions, Jean-François Reille s’est effacé pour laisser la place au Duo Wiener. Après un court entracte qui a permis au corniste Roland Horvath de préparer ses lèvres, une de leurs amies, altiste à l’Orchestre National de France, les a présentés. Elle a remercié nos hôtes pour leur accueil et pour les « bonnes ondes » émanant de leur maison en bord de Loire.  Johanna Horny-Neumann, la pianiste, est une soliste internationale qui joue dans de très nombreux pays et a reçu des prix prestigieux. Professeur de piano, elle enseigne à des enfants surdoués. Roland Horvath, le corniste, joint l’enseignement des mathématiques à celui de la musique et a été membre de l’Orchestre Philarmonique de Vienne. Ils ont créé le Wiener Duo en 2008. Pratiquant notre langue avec aisance, Roland Horvath a présenté leur programme d’une manière très détaillée et très vivante, non dénuée d’humour.

Cette seconde partie a débuté de façon magistrale avec la Sérénade  « Ständchen » de Schubert, extraite du Schwanengesang. La pianiste nous a donné des frissons avec cette partition au merveilleux lyrisme élégiaque. Puis, nous avons pu apprécier son jeu puissant et sûr lorsqu’elle a interprété un air de Liszt, ce musicien à la belle stature, dont les grandes mains et les très longs doigts ont influencé les choix techniques. Amoureuse de l’Egypte où elle aime aller jouer, Johanna Horny-Neumann nous a aussi offert une composition toute empreinte de mélancolie, Der Alleinreisende, œuvre d’un compositeur de ce pays, Abed El Whab. Ce moment a été véritablement une invitation au voyage et l’écouter jouer en solo a été un instant privilégié.

Ensemble, et parmi d'autres oeuvres, elle et Roland Horvath nous ont proposé un extrait de  Aïda de Verdi. On sait que l’opéra fut commandé  à ce dernier par Ismaïl Pacha, pour l’inauguration du canal de Suez. La France, étant alors en guerre, la première n’eut lieu que le 24 décembre 1871. Les deux musiciens avaient choisi l’air « Devant les portes de Thèbes », qui se situe, me semble-t-il, à l’acte II. Le corniste nous a montré l’étendue de son talent à jouer de cet instrument réputé difficile et qui requiert des lèvres et des poumons puissants. Avec élégance il a souligné combien la force du jeu de sa partenaire remplaçait ici tout l’orchestre.

Ces deux artistes autrichiens ne pouvaient certes pas manquer de faire la part belle à Johann Strauss. Ils nous ont ainsi donné à entendre deux valses parmi les plus célèbres : « Wein, Weib und Gesang », op. 333 et, bien sûr, « An der schönen  blauen Donau », op. 314. Roland Horvath, toujours disert, nous a expliqué les circonstances de la composition de cette valse par Johann Strauss fils. Elle fut au départ mal perçue, les paroles en ayant été jugées ridicules. C’est en 1867, à l’occasion de l’Exposition Universelle, qu’invité à l’ambassade d’Autriche, il lui sera demandé d’ajouter une valse à son programme. Il choisit alors « An der schönen blauen Donau » qu’il réarrange pour orchestre seul et qui obtiendra un succès qui ne s’est jamais démenti. La valse la plus célèbre du monde n’est-elle pas considérée comme l’hymne national autrichien ?

La pianiste et le corniste ont achevé de manière impériale ce concert privé avec la marche « La Favorite », créée à l’intention de Marie-Thérèse d’Autriche. La Favorite était le nom d’une des résidences des Habsbourg qui fut transformée en académie impériale sous le règne de Marie-Thérèse ; le Theresianum devint ainsi l’école de l’élite.

Pour clôturer ce beau concert, Roland Horvath a remercié le public et la qualité de son écoute. Il a dit combien, en ce beau soir d'été, le terme de Hausmusik ou Kammerspiel prenait ici tout son sens : n'est-ce point une musique d’agrément avec des auditeurs disponibles, dans une atmosphère intime et amicale, pour un concert domestique et quasi-familial ?

 

                                  La Sérénade "Ständchen" de Schubert
 

 

 

 

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31 juillet 2014 4 31 /07 /juillet /2014 23:00

  mobilisation

 

 

  Ordre de mobilisation générale, en date du 2 août 1914

 


A l'occasion du centenaire de la mobilisation générale de 1914, je publie de nouveau ce texte que j'avais écrit en 2011.    

 

Ca f’sait déjà quèque temps qu’ son Gustave, il était parti pour l’ front et la Louise, elle était là, toute pensive, devant sa lessive qui s’ balançait sur l’ fil à linge, dans l’ vent chaud du mois d’août. C’est vrai qu’elle était ben triste d’puis qui z’avaient entendu carillonner l’ tocsin et sonner les clairons et d’puis que, Bazin,  l’ maître d’école, il avait placardé l’affiche avec ses deux drapeaux en croix, sur l’ mur de l’école.

Louise, elle y avait ren compris à tout c’ fourbi. Paraît qu’y avait un grand môssieur, un archiduc, qu’avait été assassiné au tout commencement d’ l’été. Pis, ç’avait été l’ tour d' Jean Jaurès, çui qu’avait une barbe blanche et qui causait ben . Et pour dire l’ vrai, i méritait ben son nom, çui qu’avait fait l’ coup, pis qui s’app’lait Villain.

C’t à cause de ça que l’ Gustave, il avait dû partir l’ troisième jour après l’ordre de mobilisation générale comm’ i disaient. Alors, l’ cœur tout gros, la Louise, elle avait mis ses vêtements du dimanche, et elle l’avait accompagné au train, son homme, tout emprunté qu’il était dans sa capote, du bleu d’ l’horizon, même qu’elle était. Et son Gustave, il avait même emporté ses gros godillots, pa'ce que M’sieur le Maire, il avait dit qu’on lui en donnerait 15 francs.

Elle s’ rappelait qu’il li avait plaqué un gros baiser sur sa joue, en la serrant fort et qu’ ça lui avait fait du mal. Et quand l’ train, il avait commencé à rouler dans son bruit d’ ferraille, elle avait vu qu’ des bouquets et des bras qui s’agitaient dans tous les sens, dans les cris et la chaleur.

Combien d’ temps qui s’rait donc en partance, le Gustave ? qu’elle s’ demandait la Louise, assise sur l’ chaise de paille du pépé, les yeux dans  l’ vague, au soleil du soir. Quand c’est-y qui r’viendrait pour sa première perm ? elle en avait point d’idée. Et d’puis qu’il était parti au front, le Gustave, elle, elle avait point chômé. Vrai, elle avait même pas eu l’ temps d’ décrocher les frusques sur l’ fil. Elle avait dû ranger l’ bois qu’il avait scié dans l’ bûcher, traire les vaches, aller quérir d’ l’herbe pour les lapins, faire la litière pour les canassons dans l’écurie, laver et nourrir le pépé. Et pis y avait ses trois p’tiots, qu’étaient toujours à ses basques : c'est qu' ça réclame la marmaille !

Elle s’ demandait comment qu’elle tiendrait l’ coup, la Louise. C’est sûr qu’elle était endurante à la besogne, qu’elle rechignait point à l’ouvrage mais, pour sûr, elle était qu’une femelle ! Y aurait la moisson qui pouvait pas souffrir d’ retard, pis après la vendange du clos, pis les comices d’automne. Alors, ses manches, elle allait ben être obligée d’ les r’trousser, si elle voulait pas qu’ la ferme, elle tombe en quenouille. Aide-toi, le ciel, i t’aidera, qui disait son père. Mais faudrait p’ tête ben que l’ Bon Dieu, il y mette aussi un coup…

Assise comme une feignante sur la chaise du pépé, la Louise, elle regardait les hardes, qui s’agitaient dans l’ beau temps du soir. A côté d’ ses bas d’ soie qu’elle avait mis pour conduire l’ Gustave au train, y avait la ch’mise à carreaux vert et bleu d’ son homme, et pis encore son surcot d’ serge bleu qu’il enfilait pour labourer. J’ suis comme un milord avec c’te veste, qui disait toujours en rigolant. Ca en a pas l’air mais c’est qu’ ça tient chaud au corps, c’te houppelande, qui rajoutait en crachant dans ses mains. La Louise, elle sentait comme quèque chose qui lui coinçait là, dans sa gorge, et pis ses yeux qui lui piquaient, comme quand c’est-y qu’elle épluchait les oignons.

La Louise, elle s’ leva lourdement, comme un bestiau qu’ va à l’abreuvoir, elle traversa la cour d’ la ferme en faisant voler et caqueter la basse-cour, pis elle ferma la barrière avec l’ gros cadenas d’ geôle que l’ Gustave il avait accroché, des fois qu’y aurait des malandrins su l’ chemin. Pis, elle rentra dans l’ logis qu’était déjà tout noir.

Ce qu’elle savait point, la Louise, c’est que six mois plus tard, elle verrait s’ pointer l’ garde-champêtre à la barrière d’ la ferme. D’un air tout benêt, sous sa casquette bleue à galons dorés,  i lui tendrait une grande lettre beige, avec tout plein d’ tampons des Armées. Et alors, la Louise, elle aurait point b’soin d’ mots. Elle pigerait au quart de tour qu’ son homme, i reviendrait point, et qu’ pus jamais, elle verrait sa chemise à carreaux et son surcot s’ balader sur l’ fil à linge.

 

Pour Le Défi de la Semaine n° 54,

Proposé par Jeanne Fa-Do-Si

Sur la photo de vêtements sur un fil à linge,

Employez les mots : temps (météo), temps (durée),

vêtements, vent

 

 

 

 


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31 juillet 2014 4 31 /07 /juillet /2014 11:26

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Gilles Servat en concert à Etel

(Photo ex-libris.over-blog.com, mercredi 30 juillet 2014)

 

C’était mercredi 30 juillet 2014, après une belle journée de soleil, et Gilles Servat, venu en voisin je crois de Locoal-Mendon, chantait au cinéma La Rivière à Etel. Devant le grand et vieux  rideau rouge, un peu mangé aux mites, le chanteur a d’abord cherché à savoir si le public l’entendait et le voyait bien. C’est sûr que ce n’était pas gagné avec toutes ces têtes chenues dans la salle, une sono et une lumière approximatives ! On a cherché à ouvrir le rideau mais ce n’était sans doute pas mieux et Gilles Servat a repris sa place initiale. De toute manière, lorsqu’il commence à chanter de sa voix puissante et caressante tout à la fois, même le granit en tremble !

Gilles Servat a entamé son récital avec deux chansons de ses anciens albums et notamment Je dors en Bretagne ce soir où il dit avec tant d’âme les ombres et lumières du « pays qui regarde la mer ». Ensuite, il nous a donné à entendre de nombreuses chansons de son 22ème et dernier album sorti en 2013, C’est ça qu’on aime vivre avec. Le titre est celui d’une chanson qui a donné lieu, à la fin du tour de chant, à une véritable leçon de « bretonnismes », les parlers de Groix à Nantes, en passant par Etel, Locoal-Mendon et Douarnenez. Saviez-vous qu’un « adam », c’est le premier rhum qu’on sirote au matin aux halles de Nantes ou qu’un « betterave », c’est un verre de rouge ? En amoureux des mots bretons, celui qui connaît le grec, le latin et l’irlandais ancien nous a plongés dans leur vie travailleuse et quotidienne. Gilles Servat explique dans une interview que cette chanson est « un hommage au parler des gens de chez nous, ceux avec qui j’aime vivre ». En l’écoutant, j’ai pensé au poète Gaston Couté, chanté par Gérard Pierron, et célébrant le parler « d’chez nous », celui de Meung-sur-Yèvre.

Gilles Servat a aussi évoqué ses proches à travers trois chansons. Son fils, d’abord, avec C’est mon gars, un texte tout empreint de tendresse et d’admiration paternelles : « C’est mon dragon des mangas/ Mon tigre blanc des taïgas… » Ensuite, avec une chanson à la mélodie légère et primesautière, ce sera Bleuenn, dans sa petite enfance de sept années, sa fille qui, devenue grande, chante avec son père dans son dernier CD. Enfin, à l’occasion des cinquante ans de Rozenn, sa compagne (« Cinquante ans, cinquante ans, priez pour elle ! »), En 62, quand elle est née nous a fait revivre les sixties et les seventies, en une rétrospective précise de sa vie : « C’est comm’ça que 33 ans plus tard/ Après une soirée musicienne/ Rozenn rattrapait son retard/ Et qu’ma vie devenait la sienne. »

Certes, pour beaucoup, Gilles Servat est le chanteur rebelle et militant. Ainsi, il ne pouvait pas manquer de chanter son succès mythique La blanche Hermine. Celui-ci n’a-t-il pas été repris récemment par les Bonnets rouges, tout comme il pourrait l’être pour une nouvelle géographie des régions, puisqu’il définit les frontières historiques de la Bretagne avec Fougères et Clisson ? Sans oublier de célébrer les bénévoles (sans qui nombre de festivals ne pourraient exister) avec Sur le front des bénévoles, Gilles Servat a rendu hommage au Peuple des Dunes, par le biais d’une chanson écrite par Brigitte Grésy. Elle y remémore le combat victorieux des habitants de la baie d’Etel contre le projet catastrophique d’une extraction de sable, destructrice de la faune et de la flore marines. Mobilisé entre 2005 et 2009, le Peuple des Dunes n’aura pas été le « dindon de Lafarge » ! L’indignation du chanteur éclate surtout dans une chanson au vitriol, La Paroisse de Prêchi-Prêcha. A l’occasion d’un voyage en Irlande et du film les Magdalena’s sisters, il fustige la pédophilie dans l’Eglise, les lâchetés auxquelles elle donne lieu et une vision conservatrice de la femme pécheresse. Ce qui impressionne chez Gilles Servat, c’est sa sincérité alliée à une force de conviction inentamée par les années. La chanson Sans d’mander la permission l’exprime à son tour avec puissance : « Nous-mêmes, nous-mêmes, mieux vaut l’aventure que la mort ! »

Cette rébellion viscérale, ce message qui dit à chacun de résister pour tenir debout, est bien sûr un des aspects essentiels du chanteur, mais ce à quoi je suis, pour ma part, le plus sensible, c’est à sa voix poétique. Lorsqu’il célèbre le moulin de Guérande « au grain de ses années » et les œillets pris dans le sel de Saint-Guénolé, c’est une Bretagne intime et viscérale qu’il chante. Lorsqu’il évoque Tad er martelod et qu’il transforme la mère du marin en père du marin pleurant son fils péri en mer, l’émotion est palpable : la mère de Dieu avait un corps à pleurer, le père du marin n’en a pas. Lorsqu’il chante La Forêt sur la rade, métamorphosant les mâts des bateaux en fûts des forêts, c’est le regard du poète, celui qui voit autre chose dans la réalité du monde. Lorsque, dans Hiérarchies, il s’imagine être au monde en de multiples avatars et qu’il souligne la relativité de nos existences dans l’univers infini, sa poésie se fait philosophie. Il l’affirme haut et fort : « Je ne chante pas que des textes militants, je cherche à partir des choses qui m’environnent, à créer des chansons universelles. » (23-24 juillet 2011, Ouest-France)

Après presque deux heures de chanson, avec beaucoup d’élégance et de délicatesse, Gilles Servat, toujours dans une proximité simple avec son public, s’est excusé d’avoir dû parfois reprendre une ou deux phrases à cause d’une lumière trop forte. Mais de cela, nul ne s’est soucié. Sa voix profonde, qu’il sait moduler avec tant de nuances, nous a envoûtés. Et je me suis dit que, depuis les années 70 où il nous a toujours accompagnés, nous et nos enfants, Gilles Servat, c’est vraiment celui « qu’on aime vivre avec » ! 


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Gilles Servat en concert au cinéma La Rivière à Etel

(Photo ex-libris.over-blog.com, mercredi 30 juillet 2014)

 

 


 

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27 juillet 2014 7 27 /07 /juillet /2014 17:40

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Roches abandonnées

La mer s’en est allée

Sous un ciel bleu lavé

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Signes cabalistiques

Sur la pierre archaïque

Disent une mer lyrique

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Oiseaux en reposoir

Glissent sur le miroir

Aux algues de brocart

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Parmi la jungle grasse

Sur le lichen tenace

Un oisillon rêvasse

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Plumes et cailloux blancs

Sous le souffle du vent

Attendent le jusant

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Dans les plaies du granite

Du fin sel blanc palpite

Les larmes d’Aphrodite

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Huîtres et bigorneaux

En de nacrés joyaux

Brillent aux mortes eaux

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Sur les concrétions noires

De moules en poignard

Des oiseaux font un phare

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Algues et anémones

En marines démones

Aux rochers s’abandonnent

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Quand reviendra la mer

Pour enlacer la terre

De ses eaux familières ?

 

Sur les rochers de la Roche Sèche,

vers 11h 30, dimanche 27 juillet 2014

 

Crédit photos : ex-libris.over-blog;com

 

 

Pour ceux qui me suivent et me lisent depuis la création de mon blog (le 6 mars 2009), mon administration me dit que ce poème est le 1 000 ème "billet ou "article" de mon blog. Merci à tous mes lecteurs fidèles ou occasionnels.

 


 

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19 juillet 2014 6 19 /07 /juillet /2014 21:39

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      La lune en plein jour au-dessus du jardin de Kergavat

(Photo ex-libris.over-blog.com, vendredi 18 juillet 2014)

 

Au grand beau de l’été

Sous le chapeau du ciel

La lune diaphane

Au teint de lait d’ânesse

Se cache du soleil

 

A Kergavat, vendredi 18 juillet 2014, vers midi.

 

 

 

 


 

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16 juillet 2014 3 16 /07 /juillet /2014 17:09

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Dessin de la main droite d'Artemisia Gentileschi tenant un pinceau, craie rouge et noire,

Pierre Dumonstier II, British Museum

 

J’ai lu il y a bien longtemps La Demande de Michèle Desbordes et j’en garde un souvenir ébloui. L’histoire de la relation non-pareille entre un grand peintre de la Renaissance (dont on devine qu’il s’agit de Léonard de Vinci) et l’humble servante Tassine, décidée à servir par-delà la mort, est contée de manière admirable et ce livre est de ceux que l’on n’oublie pas. Aussi, ai-je été heureuse de retrouver dans ma bibliothèque un autre ouvrage, le dernier je crois de Michèle Desbordes, un mince petit livre intitulé Artemisia et autres proses suivies d’un rêve de Jacques Lederer, publié en 2006, l’année de sa mort.

Il s’agit de sept textes en prose consacrés à sept artistes : Artemisia Gentileschi (« Artemisia dans la montagne »), Nicolas Poussin (« Et ego in Arcadia »), Giandomenico Tiepolo (« La promenade d’hiver »), Friedrich Hölderlin (« Il parlait du jour par-dessus les montagnes »), Rainer-Maria Rilke (« Le château d’Ulsgaard »), Katherine Mansfield (« Félicité »), Blaise Cendrars ("L'Alouette"). Ces textes sont suivis du récit du rêve que fit Jacques Lederer, un ami de Michèle Desbordes : « Il se résume en fait en une seule image miraculeuse de netteté : Charlie Parker est assis sur un haut tabouret et il joue Lover Man tout en serrant Michèle Desbordes dans ses bras. »

Les sept textes me semblent exprimer au plus juste la manière d’écrire de cet auteur à part qui disait : « Je me suis toujours, et jusque dans l’écriture, mieux trouvée de ce qui se tait et se cache que du contraire. » Jean-Yves Masson parle en effet de « sa formidable puissance de silence » et ce silence, souvent associé à la mer, c’est cela même qu’elle met en relief dans l’évocation des artistes qu’elle a aimés.

Artemisia Gentileschi ne reçut-elle pas, dès son enfance, une éducation stricte, « au point de garder le silence » ainsi que le demandait son père ?  Peut-être cette contrainte et par la suite son viol par Agostino T. furent-ils à l’origine de la conception de son art. Devant la mer qui lui fait oublier ses blessures, « elle pensa au silence et à la lenteur […] tout désormais serait là dans le calme et le silence ». Les femmes représentées de dos par Giandomenico Tiepolo, venues de la mer, refermées sur elles-mêmes, sont elles aussi les messagères du silence : « Rien ne pouvait se dire de ce qu’elles pensaient, rien ne se connaissait que cette sorte de brève apparition et de sourire aux lèvres, et l’idée même du silence qu’elles portaient au front. » Et quand on lui parle de beauté, il garde le silence. Michèle Desbordes dit encore de Hölderlin, un de ses poètes préférés, qu’il « imaginait la mer plus loin dans la fin du fleuve ». Elle raconte encore que bien souvent « il parla du feu du ciel et du silence des hommes […] car il avait, plus que quiconque besoin de silence ». Il en va de même pour Rainer-Maria Rilke qui, à Duino, « chaque jour regardant la mer et marchant sur la falaise », parlait « du silence où il aurait voulu se perdre ». C’est Katherine Mansfield qui ne put jamais oublier l’océan et les « collines dorées de Nouvelle-Zélande », celle qui « d’un rien pouvait se blesser. D’un silence, un mot de trop. » C’est enfin Cendrars, nostalgique des papillons blancs « qu’il voyait sur la mer, comme Nerval à Brindisi ».

Michèle Desbordes, pour l’avoir vécu elle-même, sait donc combien l’art « se tisse de silence ». Elle dit ainsi la solitude absolue, nécessaire à l’éclosion des œuvres de ces merveilleux artistes. Artemisia Gentileschi « savait ce qu’il en était du monde autour de soi, et de l’autre très secret, que l’on portait sans que personne eût à le connaître ». Nicolas Poussin, pour sa part, aime la solitude de l’atelier du Dominiquin où il étudie le nu. On sait par Félibien que « son austérité et le goût d’une vie simple le faisaient se retirer seul […] dans les vignes et les lieux déserts » pour observer les antiques. Tiepolo, certains jours, « allait sans rien dire ni se préoccuper de quiconque autour de lui » et c’est à la cour d’Espagne qu’il prend l’habitude de se retrouver seul « dans une orangerie du palais, près des terrasses où il savait qu’on ne le dérangerait pas ». Après ses voyages, Hölderlin s’isola trente ans à Tübingen « dans une petite chambre, au-dessus du Neckar » et Rilke aspira toujours à la solitude : « Puis il parlait d’être seul comme l’enfant est seul. Et qu’il devrait toujours en être ainsi. Que ce n’était pas là ce qui lui faisait peur. » Sa solitude était bien en accord avec « son cœur tourmenté » et vivant seul dans un immense château, il « demandait ce que serait une solitude qui ne serait pas une grande solitude ». De Katherine Mansfield, Michèle Desbordes écrit, que toujours susceptible d’être blessée d’un rien, « elle vécut une vie de solitude » et de Cendrars, qu’il voyageait seul mais ne se séparait jamais de ses caisses de livres.

A travers ces brefs récits, Michèle Desbordes, réussit à synthétiser l’existence inspirée mais douloureuse et tourmentée des trois peintres et des quatre écrivains. Avec une rare économie de moyens, elle possède l’art de cerner ce qui est au cœur de la création de ces artistes et elle parvient à nous décrire avec délicatesse et précision ces « gens qui meurent en pente douce » ainsi que le dit si bien Jean-Baptiste Harang.

Elle montre comment, durant toute sa vie, Artemisia Gentileschi peignit un même tableau : « Un jour, sans rien en dire, elle figura Judith dans le moment qu’elle tuait Olopherne. » Et elle ne cessa de la représenter accompagnée de sa servante : […] – ferait-elle jamais autre chose, penserait-elle jamais à figurer qui que ce fût d’autre que ces deux femmes-là. » Au moment de sa mort, on découvrira un carnet de dessin : sur chaque page, la mer au soleil couchant, en quête sans doute de ce « reflet d’ocre rare qu’un soir elle avait entrevu dans l’eau du Tibre ». Avec aussi les deux petites silhouettes de Judith et de sa servante « allant l’une derrière l’autre, doucement dans le dernier soleil ». Discrètement, l’auteur suggère que la réalisation sans cesse recommencée de ce même tableau fut peut-être pour Artemisia Gentileschi le moyen d’oublier la blessure initiale infligée dans sa jeunesse « dans une chambre qu’il y avait au milieu du jardin, entre un figuier et un carré de sauges et de verveines claires ». A propos d’Olopherne, n’évoquait-elle pas la justice, la vengeance et l’honneur ?

Avec Nicolas Poussin, Michèle Desbordes s’interroge sur le problème de la représentation en peinture. Persuadé « qu’on ne pouvait se contenter de figurer le monde autour de soi tel qu’on le voyait », le peintre était obsédé par la beauté et « il disait que la vue d’un bel objet lui donnait furieusement envie de peindre ». Il paraît que « toute sa vie il tenta de raconter une histoire qui ne pouvait l’être ». Parfois même, représenter certaines choses l’aurait trop éprouvé et  il fut ainsi contraint d’y renoncer. Pour lui « le tableau était vie et moment de vie autant que représentation de la vie ». Un jour, « regardant la lumière trembler sur les feuilles et devant lui l’horizon que jusque-là il ne figurait guère », il se mit à regarder le monde différemment. Perdant alors le goût de raconter des histoires, il réduisit les personnages de ses toiles pour donner la primauté au paysage et à la lumière. Et peut-être qu’au moment de sa mort ne compta plus pour lui que la vision éblouie « des oranges brillant parmi les feuilles […] dans la lumière qui blondissait doucement ».

Habité par Venise, qui lui avait donné « le goût des masques et du secret », Giandomenico Tiepolo peignit, pour sa part, des personnages dont les visages, « tristes et inoubliables », étaient semblables. Il aima ainsi toujours à figurer « des hommes et des femmes vêtus de blanc » mais ne parlait jamais de son art. Il entra plus avant dans son mystère en représentant sur les murs de la villa Zianigo « des hommes et des femmes qui allaient de dos », paysans et villageois, s’arrêtant « pour contempler quelque chose que l’on ne pouvait voir ». Puis perdu dans son retrait de plus en plus profond, il recommença à peindre « l’un de ces hommes vêtus de blanc et sans physionomie, si ce n’est celle du masque au grand nez qu’ils portaient ». Son entourage sut alors « qu’il ne représenterait plus rien d’autre que ces hommes-là avec leurs masques et leurs habits blancs, et qu’il y avait des choses qui ne pouvaient se dire. Qu’il lui faudrait les répéter jusqu’à la fin. »

Michèles Desbordes fait encore le portrait du poète Hölderlin et le montre en voyageur tourmenté, épris d’éternité. Elle évoque son amour pour sa mère, si présent à travers ses lettres, son intérêt pour la philosophie, son admiration pour Goethe et comment il confiait sa peine à Schiller. Elle le montre en éternel errant : « Toujours il disait qu’il lui fallait partir. » Toujours désolé, et après avoir écrit ses plus beaux poèmes, il se retira à Tübingen dans une chambre au-dessus du Neckar. : « Le jour vint où il n’eut plus, de cette chambre-là, que le ciel à contempler. » Trente années durant, il s’attela « de la main gauche » à dire « la solitude et la fin des choses, et aussi les saisons qui revenaient ». Et c’est avec une infime délicatesse que Michèle Desbordes imagine la dernière nuit du  poète de soixante-treize ans et ce qu’il y fit. Ecrivant aux être qu’il aimait, il dit le réconfort des livres et la douleur « de souffrir de cela même qui rendait les autres heureux ». A Schiller, « il parla de froid et d’hiver, du gel qui lui prenait le cœur. De cette sorte de passion qu’il avait et dont il ne pouvait se défaire ». Et ce fut un beau matin de juin celui où on l’inhuma au cimetière de Tübingen « sous un laurier qu’il y avait près d’une grille ».

Il est question ensuite d’un autre voyageur, plus lointain celui-là, en la personne de Rainer-Maria Rilke. Michèle Desbordes nous le décrit marqué par les secrets de son enfance, en quête de nobles ancêtres, se cherchant des maîtres « afin qu’ils lui apprennent à vivre », voyageant sans relâche avec Lou Andreas Salomé, ignorant lui-même ce qu’il recherchait vraiment. Rêvant à Ulsgaard au Danemark, où il ne vécut jamais, en proie aux frayeurs, fièvres et fatigues, ce contemplatif voyait « ce que d’autres ne voyaient pas ». En proie à une tristesse innée, à une mélancolie native, il était habité par la peur d’exister qu’il exorcisa à travers les Carnets de Malte Laurid Brigge, un autre lui-même. Ensuite, il fit parler ceux qui « savaient des choses que personne ne savait », il prêta l’oreille « à des cris que personne n’entendait », songea aux commencements et à la fin des choses, aima des femmes sur le visage desquelles il cherchait un impalpable parfum d’autrefois. De château en château, hanté par l’idée de la mort, il se retira lui aussi « à Muzot, en Suisse, près de Sierre […] au-dessus des vignes et d’un petit jardin de roses, dans la pierre grise et violette ». Et quand il mourut, de mélancolie, « de la fatigue sans doute que c’était devenu de vivre », ceux qui l’assistaient crurent l’entendre prononcer le nom d’Ulsgaard.

Marquée aussi par le paradis perdu de l’enfance en Nouvelle-Zélande, telle apparaît Katherine Mansfield sous la plume de Michèle Desbordes : « Il y eut de l’enfance cette chose qui serrait le cœur et qu’elle ne put oublier, comme une lumière douce, poignante sur ce qui, on ne sait quand, on ne sait comment, s’achève. » Et l’orage d’octobre du soir de sa naissance n’avait-il pas définitivement fait d’elle un être de tourment ? Femme de passion violente, elle s’éprend, se déprend, va jusqu’à suivre son amant Carco jusque dans les tranchées tandis que, éternellement fidèle, l’attend à Londres son époux. Atteinte par la maladie, elle part  en quête du bleu de la mer et, à l’instar d’un Tchékhov, son frère d’élection, elle saura dire de manière déchirante « la grâce de l’instant ». D’une sensibilité extrême, éternellement insatisfaite, sauf d’avoir su écrire quelques pages, elle tousse avec violence tout en aspirant à vivre et à être heureuse. En décembre, à la Casetta, elle tousse à n’en plus finir  et « sa vie dit-elle se réduit à cela, pouvoir respirer encore une fois ». Ne supportant plus la mer, elle s’en va en montagne où la pensée de la mort s’empare d’elle avec force, en même temps qu’elle pense à ceux qu’elle a aimés et à Virginia Woolf qui admire sa manière « si rare, si délicate […] de ne pas raconter d’histoire ». Après avoir écrit La Garden-party, elle acceptera l’idée de la souffrance et de la mort à venir, et se met à rêver qu’elle retourne en Nouvelle-Zélande : « Elle dit que tout, à présent, a un air de pays étranger. » Si, selon elle, le temps de l’écriture est passée, elle se dit qu’elle pourrait pourtant de nouveau écrire. Et alors que son mari est venu la rejoindre, elle s’éteint contre lui, « dans ses châles, sa longue jupe à carreaux », « d’un long crachement de sang ».

Le dernier artiste évoqué par Michèle Desbordes est encore un rêveur, un aventurier bourlingueur et il s’agit de Blaise Cendrars, de la race de ceux dont on dit : « Ils vont, ils partent, avides, ils ne veulent rien d’autre. » De son enfance voyageuse,  il aura « la nostalgie de Naples et du Pausilippe [et] des rues de Palerme » ; nourri de Nerval et de Dostoïevski, il n’aura de cesse de partir loin, « là où des noms, des destinées faisaient rêver ». A quinze ans, il prend le train pour aller aux confins de la Russie et de l’Inde et en revient avec la petite Jeanne de France. Il ne cessera dès lors de sillonner le monde jusqu’en Patagonie, avec ses livres dans ses bagages, « cherchant là disait-il ce qu’il cherchait dans les ports et les villes inconnues, des créatures étranges, des vies de mystère, d’aventures ». C’est par une nuit neigeuse que ce grand nostalgique de la Bibliothèque d’Alexandrie, cet éleveur d’abeilles, cet ami de Charlie Chaplin, écrivit les Pâques à New-York qu’il lut à Apollinaire. Et c’est ce même Cendrars qui, sous la mitraille allemande, s’arrêtait de courir pour écouter chanter l’alouette et qui perdit la main lors de cette guerre-là. Ce poète n’écrivit jamais que ce qu’il vécut mais il garda secrètement pour lui ses bonheurs d’écriture. Quand il ne voyagea plus, « il entreprit de se souvenir » et il sut que « l’écriture n’était ni songe ni mensonge mais peut-être ce que nous connaissons jamais de plus réel ».

Ceux que passionnent l’écriture et la peinture aimeront ce petit recueil. En effet, il nous fait entrer discrètement, mais avec une grande sensibilité, dans l’intimité de sept grands artistes. Dans une empathie artistique qui ne se dément pas, dans une langue tissée de ferveur et de poésie, Michèle Desbordes y trace l’épure de leur vie et de leur art, pénétrant avec la prescience de l’artiste qu’elle est elle-même, leurs aspirations et leurs douleurs les plus profondes. Et il me semble qu’avec ce recueil, le terme d’ « affinités électives » trouve ici sa plus parfaite expression.

 

 

 

 

 


 

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7 juillet 2014 1 07 /07 /juillet /2014 17:51

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      Le ciel au-dessus de Port Bara (Quiberon)

(Photo ex-libris.over-blog.com, Pentecôte 2014)

 

En contrepoint du vacarme de la mer

roulant ses algues et ses sables

j’entends le cri de l’alouette

dans son espace bleu

Tout comme le poète de la petite Jeanne de France

sous le fracas de Vimy

au beau milieu de la mitraille

s’arrêtait pour l’écouter chanter

moi aussi je m’arrête

et je n’entends plus qu’elle

en son chant cristallin

 

Sur la plage de la Roche Sèche,

lundi 7 juillet 2014, vers 15 h.

 

 

 

 


 

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4 juillet 2014 5 04 /07 /juillet /2014 18:02

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Mãn est le troisième opus de l’écrivain d’origine viêtnamienne, Kim Thùy. Avec ce livre, elle poursuit l’exploration de sa propre histoire malmenée par l’exil. Elle continue ainsi à nous initier à la culture viêtnamienne, cette « culture de la discrétion » dont elle est la dépositaire. Elle le fait ici par le biais de son personnage, Mãn, une jeune femme viêtnamienne venue au Québec afin d’épouser Phuong, le restaurateur viêtnamien qu’on lui a destiné. Par petites touches, Mãn se dévoile, révèle sa vie quotidienne consacrée à son restaurant, La Palanche, raconte sa passion pour Luc, à qui elle renonce pour ne pas faire de leurs enfants des « blessés collatéraux ».

Le prénom de Mãn donne toute sa couleur au roman. En effet, ne signifie-t-il pas « parfaitement comblée » ou « qu’il ne reste plus rien à désirer » ou encore « que tous les vœux ont été exaucés » ? La narratrice explique ainsi que son prénom lui impose « cet état de satisfaction et d’assouvissement » et elle exprime, non sans douleur ni rébellion, une forme d’acceptation des choses, de philosophie sereine qui me semble être un des aspects de l’âme viêtnamienne. Se comparant à la Jeanne de Maupassant dans Une Vie, « qui rêve de saisir les bonheurs », elle avoue qu’elle a « grandi sans rêver ».

Dans ce livre, tout en pudeur et en délicatesse, Mãn se raconte à travers les mots de la langue viêtnamienne (mère, boat people, flamboyant, banane, sandale de bois, manger dans la rue…)  tandis qu’en toile de fond ressuscite un Viêtnam meurtri par la guerre. Mãn, qui a créé un restaurant, devenu célèbre, délivre aussi ses recettes de cuisine. Ainsi, le chè, le dessert aux sept couleurs, devient le symbole de la vie avec ses heurs et malheurs. Si elle évoque ailleurs les nids d’hirondelle, c’est pour mieux faire comprendre qu’une famille se construit dans le respect et la patience. Et, pour souligner sa solidité intérieure héritée de sa mère, elle décrit le bracelet de jade, tout à la fois solide et fragile : « Il me rappelle de demeurer solide, et surtout lisse. »

Dans ce roman, j’ai été très sensible aux nombreuses allusions littéraires et aux poèmes qui sont cités et je voudrais les évoquer ici. En exergue à l’ouvrage est placé un texte d’Ernst Jandl, dont le titre est éclairant : Amour-Déconstruction d’un sentiment. L’histoire n’est-elle pas celle d’une femme de passion qui renonce à l’homme qu’elle aime pour ne pas faire souffrir ceux qui lui sont proches ?


être allongé contre toi

je suis allongé contre toi, tes bras

me tiennent, tes bras

tiennent plus que ce que je suis.

tes bras tiennent ce que je suis

quand je suis allongé contre toi et

que tes bras me tiennent

 

Quand la narratrice évoque le moment où celui qu’elle va épouser  lui remet ses coordonnées sur un papier plié en deux, cela lui rappelle l’instant où un soldat amoureux de sa mère lui avait remis un poème également écrit sur un papier plié en deux. Il s’agit d’un poème de Viet Phuong (Cuo do mo, Tho, 2008), qui exprime la tristesse de ce qui n’est jamais advenu :

 

Je t’offre

la vie que je n’ai pas vécue

le rêve dont je ne peux que rêver

une âme que j’ai laissée vide

pendant des nuits blanches d’attente

 

Vers toi je porte en offrande

le poème que je n’ai pas écrit

la douleur vers laquelle je me tends

la couleur du nuage que je n’ai pas connue

les désirs du silence

 

Il est aussi question de l’histoire de Truyên Kieu, une jeune fille qui se sacrifie pour sauver sa famille. Mãn explique que les Viêtnamiens sont intimement persuadés que tant que ce poème  de plus de 3 000 vers continuera d’exister, « aucune guerre ne pourra faire disparaître le Viêtnam ». Tout Viêtnamien, même le plus analphabète, est capable d’en réciter des strophes entières. Elle ajoute que le père de sa mère exigeait que tous ses enfants apprennent ce poème par cœur. L’auteur n’y dépeint-il pas, parmi d’autres, deux qualités qui sont les "deux couleurs essentielles" de l’âme de ce pays : la pureté et l’abnégation ?

 

Cent années, le temps d’une vie humaine

   champs clos

où sans merci, Destin et Talent s’affrontent

l’océan gronde là où verdoyaient les mûriers

de ce monde le spectacle vous étreint le cœur

Pourquoi s’étonner ? Rien n’est donné sans

   contrepartie

le ciel bleu souvent s’acharne sur les beautés

    aux joues roses.

 

Nguyen Du, vers 1-8, traduction de Nguyen Khac Vien

 

On apprend que, pendant la dernière guerre, le sort réservé aux livres écrits en anglais et en français fut tragique. S’ils furent détruits ou confisqués, certains pourtant survécurent « en pièces détachées » ; on les retrouvait ainsi entre les mains des marchands, servant à envelopper un pain, une barbotte ou un bouquet de liserons. De ces « fruits interdits tombés du ciel », ainsi que les qualifiait la mère de la narratrice, celle-ci en a fait son miel, en retenant avec délectation le mot « lassitude » dans Bonjour tristesse, « langueur » chez Verlaine ou encore « pénitentiaire » sous la plume de Kafka. Et c’est à la faveur de l’explication de la notion de fiction avec une phrase de L’Etranger (« Le soir, Marie est venue me chercher et m’a demandé si je voulais me marier avec elle. ») que Mãn prend conscience de la contrainte des traditions dans un Vietnam où il est impensable qu’une femme puisse exprimer son désir. Le Marius des Misérables se mue pour elle en héros de cœur parce qu’une ration mensuelle de porc avait été enveloppée dans cette phrase : « La vie, le malheur, l’isolement, l’abandon, la pauvreté sont des champs de bataille qui ont leur héros : héros obscurs plus grands parfois que les héros illustres… », tout sentiment que la narratrice avait eu l’occasion d’éprouver.

Mãn se souvient encore avec émotion de cet homme, que tous considéraient comme fou parce qu’il « se plaçait chaque jour sous le jambosier, où il récitait des mots en français et leurs définitions. Il était « un « dictionnaire vivant », dit-elle. Et qu’elle était surprenante, son amie canadienne, Julie, quand elle répétait les mots en viêtnamien, imitant les accents avec la flexibilité d’une gymnaste, distinguant les tons sans comprendre les différentes définitions ».

Quant aux  nénuphars et aux lotus de l’étang dans la cour de son restaurant, La Palanche, ils évoquent immanquablement à Mãn sa mère le soir où celle-ci avait récité une chanson populaire traditionnelle que tout Viêtnamien connaît par cœur :

 

Dans le marais quoi de plus beau que le lotus

Où rivalisent feuilles vertes, pétales blancs

                    et pistils jaunes.

Pistils jaunes, pétales blancs, feuilles vertes,

Près de la boue, mais sans sa puanteur.

 

Tho, poème.

 

Ce texte, qui comporte deux versions, avait été imprimé en des centaines d’exemplaires et offert aux clients du restaurant. C’est là, dans le jardin, assis sur des chaises de plage en toile, que se retrouvaient avec bonheur aspirants-auteurs et poètes, qui y lisaient leurs textes par les nuits de pleine lune.

 

Pour exprimer avec le plus de justesse possible ce qu’elle éprouve, la narratrice cite encore des vers de Rumi :

 

Une jolie pomme suspendue

en amour avec votre galet,

le lancer parfait qui coupa mon pédoncule.

 

Bridge to the Soul : Journeys into the Music and Silence of the Heart

 

Comment aurait-elle pu en effet imaginer « qu’un jour [elle se sentirait] comme cette pomme rattrapée par une main au milieu de sa chute » ?

 

Lorsqu’elle veut souligner l’évidence de son amour pour Luc, Mãn imagine qu’elle pourrait lui réciter ce très beau poème de Edwin Morgan :


Lorsque vous me quitterez,

si vous me quittez,

et que je voudrai mourir

rien ne saura me secourir

mieux que ce moment

où vous étiez endormie entre mes bras

dans un abandon si doux

je laissai s’assombrir la chambre

qui s’abreuvait de la soirée jusqu’à ce que

le repos ou la pluie naissante

vous ait doucement éveillée.

Vous demandant si vous aviez perçu cette pluie

     dans vos songes

toujours somnolente vous aviez simplement

     murmuré : je vous aime

 

New Selected Poems, Carcanet Press, Manchester, 2000. Traduction de Julie Macquart.

 

Le renoncement à l’amour de Luc va déchirer l’âme (xe long) de la narratrice. Et c’est au moment où elle doit choisir que sa mère, élevée chez les sœurs catholiques et férue d’histoires bibliques, lui « glisse » le récit du « Jugement de Salomon » ce qui donne lieu à ce beau passage : « J’ai lavé le plancher de la cuisine à genoux avec une brosse à la main et des larmes à profusion. J’ai aiguisé les couteaux à la pierre. J’ai enlevé les fleurs fanées et les feuilles mortes dans le jardin à la lueur d’une lampe de poche. Et j’ai surtout retenu mon souffle pour me couper en deux, m’amputer de Luc, mourir en partie. Sinon, il mourrait tout entier, déchiré en deux, en sept, déchiqueté en mille morceaux, faisant de ses enfants des blessés collatéraux. »

 

Mãn, avec la pudeur qui la caractérise, conclut cette douloureuse rupture en ajoutant que la langue viêtnamienne « ne comporte pas de temps de verbe » et que « tout se dit à l’infinitif ». Le moyen pour elle « d’oublier d’ajouter « demain », « hier » ou « jamais » pour que la voix de Luc redevienne sonore ».

 

Certains lecteurs pourront être désarçonnés par cette manière de raconter  les étapes d’une existence à partir de courts chapitres ou plutôt paragraphes, structurés autour des mots monosyllabiques de la langue viêtnamienne. Mais c’est justement cela que j’ai aimé : Mãn est vraiment un livre qu’on lit non pas sans doute pour l’histoire mais bien plutôt « pour les mots ».

 

 

Les accents ont été volontairement omis sur les noms propres vietnamiens sauf sur le titre, Mãn.

Lire mon billet sur Ru de Kim Thuy. link

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


 

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2 juillet 2014 3 02 /07 /juillet /2014 10:22

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 La jachère fleurie de Bernadette

(Photo ex-libris.over-blog.com, jeudi 26 juin 2014)

 

 

Sur la jachère en fleurs

Le grand soleil a peint

L’orangé des pavots

Et les achilées  jaunes

Comme les giroflées

Le bleu des centaurées


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En mauve les zinnias

Cosmos et lavatères

Phlox et delphinium

Indolente au soleil

Rouge la coccinelle

Rêve au profond du ciel

 

Devant la jachère fleurie de Bernadette,

jeudi 26 juin 2014.

 

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Crédit photos : ex-libris.over-blog.com, jeudi 26 juin 2014

 


 


 

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2 juillet 2014 3 02 /07 /juillet /2014 09:43

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Croissant de lune au-dessus de chez les voisins

(Photo ex-libris.over-blog.com, mardi 1er juillet 2014, vers 22h)

 

 

Soir de 1er juillet

Les grenouilles chantent dans l’étang

La lune à son premier croissant


 

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Voie lactée ô soeur lumineuse

Des blancs ruisseaux de Chanaan

Et des corps blancs des amoureuses

Nageurs morts suivrons-nous d'ahan

Ton cours vers d'autres nébuleuses

 

La chanson du Mal-Aimé, Apollinaire

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